LEE KRASNER

Para este finde decidi poner a una de las grandes figuras femeninas de la Pintura de Siglo XX, hablo de Lee Krasner (la esposa del increible Jackson Pollock), una artista que por su condicion de mujer en un ambiente un tanto machista (o eso se decia de los pintores del Expresionismo abstracto, o algunos de ellos) no tuvo el reconocimiento que merecia en el momento. Con una pintura muy creativa y seductora, se convirtio en una de las grandes representates de la Abstraccion. Ahora les dejo una biografia de ella, esperando que les guste y se interesen por esta genial pintora.

Desde que a los 13 años esta mujer nacida en el seno de una familia de judíos de origen ruso, tomara la decisión de conducir su vida por los derroteros del mundo del arte, su carrera pasó por una serie de jalones no siempre positivos.

Después de unos primeros pasos formativos, Krasner pasará por la Women’s Art School y por la Art Students League donde empezará a dar los primeros pasos serios en su carrera con una serie de obras que tienen en figuras como Mondrian, al que llegará a conocer personalmente, Picasso y, un poco más tarde, Matisse los puntos de referencia fundamentales.

La Gran Depresión la va a sacar momentáneamente de los circuitos artísticos y se ve obligada a sobrevivir como modelo para otros pintores y como camarera hasta que, en 1932 consigue un trabajo a tiempo completo gracias a un programa puesto en marcha por el presidente norteamericano Roosevelt, como apoyo a los artistas.

Con la posibilidad de dedicarse a tiempo completo a la creación artística, Krasner se revelerá en contra de lo aprendido hasta ese momento para dar una vuelta de tuerca que será decisiva en su desarrollo posterior. Unos años más tarde, concretamente en 1937, conoce a Hans Hofmann, de cuya mano se adentrará por unos derroteros que la iban a conducir, a ella y a otros muchos, hacia el expresionismo abstracto movimiento del que Krasner se convertirá en uno de sus referentes fundamentales.

La exposición colectiva que tuvo lugar en la McMillen Gallery de Nueva York, fue otro de los puntos de inflexión señeros en su carrera, aunque no terminara por resultar favorecedor de su carrera. En esa exposición conocerá a Jackson Pollock, un artista que apuntaba maneras y que tenía una fuerte dependencia del alcohol. Se casan en 1945 y durante la década y media siguiente, Krasner vivirá para apoyar y empujar la carrera del considerado pintor expresionista abstracto por excelencia.

Durante el tiempo de su matrimonio, roto por el fallecimiento de Pollock en un accidente de tráfico en 1959, Krasner siguió pintando aunque con menos intensidad. Será en esos años 50 cuando empiece a experimentar con la técnica del collage, y, como se cuenta en la web The Art Story, va a producirse otro hecho relevante para la artista. “Después de un día especialmente frustrante en el estudio, Krasner rompió algunas de sus pinturas en trozos para luego reensamblarlos y dar lugar a unas construcciones con reminiscencias cubistas” (la traducción es mía).

Esos trabajos los expuso en 1955 y con ellos consiguió una muy buena acogida por parte de la crítica. Tan positivas fueron las reacciones, que, tal y como se afirma en la we b ya citada, Clement Greenberg dijo que era una de las exposiciones más importantes de la década.

De nuevo su carrera sufrirá un parón, esta vez a causa de un aneurisma que sufrió en 1962, y que la tendrá un largo tiempo apartada de su arte. Cuando se recupere, la abstracción que la había caracterizado hasta entonces, deja paso a unas formas más suaves y a la utilización de una suerte de formas vegetales más próximas al realismo pero sin perder los puntos de anclaje fundamentales de su forma de entender la pintura.

La muerte la alcanzó en 1984 sin haber podido ver el final de una retrospectiva de su obra que, por fin, la colocaba en el lugar que le correspondía como una de las grandes figuras de la pintura del siglo XX.

Pintura mostrada: " Volcanic".

Fuentes: http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com.ar/2011/05/lee-krasner-nueva-york-1908-1984.html

Atte.: LM (seccion de Pintura),

CAMILLE PISSARRO

Para este finde decidi poner al gran pintor impresionista Camille Pissarro (a quien confundi durante un tiempo con Francis Picabia -ya que los conocia de nombre solamente-). Es considerado uno de los mejores paisajistas de la historia de la Pintura, y uno de los grandes pintores nacidos en Estados Unidos. Les dejo una biografia corta de el, esperando que les guste y se interesen mas por este gran artista.

(Saint Thomas, 1830 - París, 1903) Pintor francés. Camille Pissarro realizó una amplia actividad plástica que abarcaba las más diversas técnicas, desde el óleo y la acuarela hasta la litografía y el aguafuerte. Su obra conforma uno de los más brillantes conjuntos pictóricos en el ámbito del paisaje impresionista, tanto rural como urbano.

Antes de establecerse en Francia, pasó un tiempo en Venezuela con el pintor danés Melbye, dedicándose plenamente a la pintura. Ya en París (1855), recibió los consejos de Camille Corot y trabó amistad con Claude Monet, Paul Cézanne y Armand Guillaumin. Su estilo en esta época era bastante tradicional. Al volver a Francia, después de una estancia en Londres, participó en el movimiento impresionista. Su entusiasmo lo llevó a ser uno de los principales impulsores de la exposición celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874, a raíz de la cual la nueva tendencia pictórica recibiría la denominación por la cual se la conocería.

Atraído por la tierra, fue un pintor rústico. Del período llamado de Pontoise (entre 1872 y 1884, aproximadamente) datan algunas de sus mejores obras, inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877),Primavera en Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo.

Gracias a una gran exposición de su obra organizada por el marchante Paul-Durand-Ruel en 1892, Pissarro pudo resolver los problemas económicos que lo acosaron durante toda su vida. En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana: Avenida de la Ópera, Jardín de las Tullerías y Efecto de nieve. En ellas se registran a veces influencias de la técnica puntillista empleada por los pintores neoimpresionistas Georges Seurat y Paul Signac. La obra de Pissarro, que abarca todos los géneros, está representada en el Museo de Orsay de París y en casi todos los museos de arte moderno del mundo.

Pintura mostrada: "Dans le jardin des Mathurins, Pontoise".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pissarro.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

FRANCIS PICABIA

Para este finde decidi poner a un representante de practicamente todas las vanguardias de la Pintura moderna, hablo del frances Francis Picabia, quien anduvo por estilos tales como el Cubismo, Fovismo, Abstraccion, Surrealismo, Dadaismo, entre otros. Con una obra muy creativa, ayudo a consolidar en parte a estas vanguardias en su epoca, siendo aparte una gran influencia para otros artistas. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en el.

Francis-Marie Martínez Picabia. Pintor francés de origen hispanocubano y conocido en la historia de las artes plásticas como Francis Picabia. Su pintura es muy variada, con constantes cambios de temática y estilo, aunque dentro, casi siempre, del mundo de lo imaginario y lo simbólico. Las ideas que pregonó desde sus publicaciones contribuyeron a la difusión de las vanguardias.

Síntesis biográfica

Nació en París el 22 de enero de 1879, pero de origen cubano. Hijo único de un cubano nacido español, Francisco Vicente Martínez Picabia, y la francesa Marie Cécile Davanne, un matrimonio de la aristocracia española y de la burguesía francesa.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Decorativas. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Camille Pissarro y Alfred Sisley.

Trayectoria artística

Comenzó su carrera artística en el ámbito del impresionismo y el fauvismo, con obras signadas por una simplicidad que le proporcionaron gran éxito comercial. Sin embargo, su temperamento inquieto lo condujo a buscar caminos más comprometidos, por lo que entró en la órbita del cubismo con obras caracterizadas por la incorporación de elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema.

Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos (impresionismo, cubismo, fauvismo, orfismo, dadaísmo, surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pinturas figurativas, dibujos y collages.

De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del Grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp (Marcel, Jacques y Raymond).

En 1913 viajó a Estados Unidos, donde entró en contacto con el fotógrafo Alfred Stieglitz y el grupo Dadá americano. En Barcelona, publicó el primer número de su revista dadaísta "291" (1916) contando con colaboradores como Guillaume Apollinaire, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Arp. Tras pasar una etapa en la Costa Azul con fuerte presencia surrealista en su obra, regresa a París y crea junto a André Breton la revista "391". La revista se publicó entre 1917 y 1924, en Barcelona, Nueva York, Zurich y París, y en ella colaboraron, entre otros, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau. Junto a la revista Dadá, fue la más importante de este movimiento.

Poco después de 1917, Picabia viajó a París, donde entró de lleno en el círculo dadaísta conducido por Tristan Tzara, participando en las manifestaciones y otros escándalos del grupo. Sus contactos con Marcel Duchamp en Nueva York, donde estuvo en varias ocasiones durante la década de 1910, y con el grupo dadaísta de Zurich, lo llevaron a decantarse por el dadaísmo como tendencia artística preferida. A este período corresponde su estilo más característico, llamado maquinista por centrarse en la representación de máquinas, que en ocasiones son símbolos de los seres humanos y que hacen referencia al mito del maquinismo, del desarrollo industrial a ultranza.

Muerte

Murió el 30 de noviembre de 1953, en París, Francia, a los 74 años de edad y dejando una obra marcada por la impronta dadaísta, cubista y surrealista.

Sobre su obra

Las obras anteriores a 1922 podrían calificarse como mecanomorfas, que mucho deben al dinamismo futurista. El apuro, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.

Hacia 1924 parece regresar a la figuración, sobre todo a partir de la fundación del grupo surrealista. En las obras de este periodo parece burlarse del “onirismo surreal”, pintando figuras desmaterializadas.

Más adelante iniciará un diálogo con la tradición artística. Su interés por la literatura y el lenguaje fue particularmente evidente en sus últimos trabajos.

En 1922 organizó una exposición que reunió cuarenta y seis obras de Picabia, con un catálogo editado por André Breton y en 1930 se celebró la primera de las grandes retrospectivas sobre Picabia en la galería francesa Rosenberg, donde se mostró la obra realizada por el pintor entre los años 1900 y 1930.

Pintura mostrada: "The Procession, Seville".

Fuentes: http://www.ecured.cu/index.php/Francis_Picabia

Atte.: LM (seccion de Pintura).

DISCULPAS POR NO SUBIR DE NUEVO

Hoy no subire una biografia de ningun pintor y pido disculpas por esto, ya que estaba en un bautismo... !Aun asi dejo una pintura de Dalí, el mejor artista de todos los tiempos (para mi)!