ALFONS MUCHA

Para este finde, siguiendo con el Modernismo (o Art Nouveau), decidi poner a Alfons Mucha (o "Alphonse Mucha") uno de sus mas grandes representantes, y tambien de los mas famosos. Con una obra que fue de mucha influencia para el movimiento al que pertenecio, Mucha logro un reconocimiento artistico muy bueno. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste, y se interesen en su obra.


Alfons (Alphonse) Mucha nace en 1860 en Ivanci, en Moravia (hoy República checa) en una familia numerosa de la pequeña burguesía. Desde muy joven dibuja constantemente y suele caricaturizar a sus compañeros. Después de terminar el instituto, toca como violinista en la catedral de Brno. Por ser tan buen calígrafo como dibujante, le contratan de escribano en el tribunal donde su padre ejerce de ujier. A los 19 años se traslada a Viena donde le contrata la casa Kautsky-Brioché-Burghardt, especializada en los decorados de teatro. Al cerrar esta casa Mucha se instala en Mikulov donde pinta paisajes, retratos, y realiza inscripciones para lápidas funerarias. El conde Kluen, el Señor de este lugar, le encarga unos frescos para su castillo ; dicho trabajo agrada mucho lo que le permite ser admitido entre la nobleza local.

Mucha, en 1885, entra a la Academia de Artes de Munich por dos años. Al cumplir los 27 años viaja a Paris donde se inscribe en la Academia Julian. Alphonse Mucha debe ganarse la vida y comienza entonces para él un periodo difícil que durará varios años. Sus cualidades le permiten ingresar en la importante editorial Armand Colin. Mucha vive en Montmartre donde encuentra a numerosos artistas, entre otros a Gauguin. Mucha se interesa a la fotografía, realiza ilustraciones para la prensa. Descubre el trabajo de Steinlen.

En 1894 la casualidad le permite realizar un primer cartel para una obra de teatro de Sarah Bernhardt, “Gismonda” ; un cartel que conoce un verdadero éxito - tanto del público como de la actriz lo que lleva a Mucha a colaborar con Sarah Bernhardt durante seis años bajo contrato de exclusividad del teatro. Merced a la fama internacional de la actriz, los fabricantes de perfumes, de champagne o de bicicletas tocan a la puerta de Mucha. En adelante, sus obras están en todos los muros y a diario se admiran sus creaciones para los cigarrillos Job, los bizcochos LU, el champagne Ruinart. 

Se va asociando el nombre de Art Noveau al estilo de Mucha y los encargos afluyen de todas partes, lo que conduce Mucha a ser requerido para la Exposición Universal de 1900. Empieza a enseñar en 1896. La Galería la Bodinière, en 1897, le consagra una exposición cuyo preámbulo lo escribe Sarah Bernhardt. Siguen otras exposiciones, más prestigiosas aun. Mucha viaja a Nueva York en 1905 donde su llegada se celebra como un evento excepcional. Vuelve a Francia, deseando de ahora en adelante dedicar más tiempo a la pintura. En 1908, realiza su última gran obra de Art Nouveau : la decoración del German Theatre de Munich.


En 1910, decide dedicar el resto de su vida a pintar veinte cuadros de grandes dimensiones representando la epopeya del pueblo eslavo desde la Antigüedad. Mucha emprende entonces un viaje de estudio antes de instalarse, en 1911, en Zbirov donde trabaja sobre estos grandes lienzos. Al mismo tiempo realiza unos trabajos para la joven Checoslovaquia (sellos postales, billetes de banco...) negándose a ser remunerado. En 1919, los primeros siete lienzos se exponen en Praga. Más tarde los once primeros se enviarán a Estados Unidos donde va a vivir el artista durante dos años ; dichos lienzos se granjean un enorme éxito. En 1921 vuelve a Europa para no dejarla nunca más. Dedica toda su energía a la Epopeya Eslava que entregará oficialmente a la ciudad de Praga en septiembre de 1928 pero seguirá trabajado en ella hasta su muerte.  

En 1939, a los 79 años, Mucha, enfermo, está interrogado por la gestapo. Fallece pocas semana después, diez días antes de su aniversario.

Pintura mostrada: "Autumn".

Fuentes: http://www.mchampetier.com/biografia-Alphonse-Mucha.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JAN TOOROP

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes del Modernismo en la Pintura, el artista holandes Jan Toorop, un pintor con mucha personalidad y un estilo claramente marcado. Su obra es reconocida en parte, pero aun asi debiera serlo mas para lo importante que fue dentro del movimiento al que pertenecio. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Nació en Purworedjo, Java, el 20 de diciembre de 1858.
En 1872 se trasladó junto a su familia a Holanda, donde se formó inicialmente en Delft y posteriormente en Ámsterdam.
En 1880 ingreso para estudiar pintura en la Rijksakademie de Ámsterdam.
Practicó casi todos los estilos de las vanguardias de finales del siglo XIX.
Sus inicios fueron en el realismo, evolucionó hacia el simbolismo, y posteriormente el modernismo, impresionismo, neo-impresionismo y postimpresionismo, dentro de este realizó numerosas obras puntillistas y divisionistas, para ser uno de los precursores del Art Nouveau en Europa.
De 1882 a 1886 residió en Bruselas, donde se unió al grupo Los XX, cuyo máximo exponente era James Ensor, de esta época son casi todas sus obras postimpresionistas.
Contrajo matrimonio con la inglesa Annie Hall en 1886, viviendo desde entonces a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas.
Pasó una parte de su vida en el pueblo marinero Katwijk aan Zee, Holanda, época en la que su obra adoptó su estilo más personal, el simbolismo, obras en las que incluyó motivos de su tierra natal.
Sus dibujos y figuras fueron sin duda alguna precursores del Art Nouveau.
Murió en La Haya, Holanda, el 3 de marzo de 1928.
Su obra está representada en los más importantes museos de todo el mundo, una gran parte de ellas en Holanda y Francia, entre ellos el Rijksmuseum de Amstredam y el Museo D’Orsay de París. Sus cuadros han alcanzado una alta cotización en los escasos que han llegado a algunas subastas.

Pintura mostrada: "A new generation".

Fuentes: http://trianarts.com/jan-toorop-simbolismo-y-antesala-del-art-nouveau/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

RADI NEDELCHEV

Para este finde, para seguir con el Arte Naif, decidi poner a Radi Nedelchev, un artista bulgaro de este estilo, a la par de que es un pintor contemporaneo. Su obra es relativamente reconocida a nivel mundial, aunque quizas no tanto como deberia serlo. Les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen por este gran pintor.

Radi Nedelchev ( 1 de abril de 1938) es un artista búlgaro fundamentalmente conocido como pintor del Arte naïf. Sus pinturas representan mayoritariamente escenas de la vida y fiestas populares.
Nedelchev nació en el pueblo de Ezerche, una comunidad mixta de cristianos y musulmanes a 50 km del puerto fluvial de Ruse del Danubio. Su familia era una familia de granjeros y artesanos populares, siendo su madre tejedora y su padre tallista de madera. Desde muy temprana edad Nedelchev demostró gran pasión por el dibujo.
A los quince años, después de una pelea con su padre, Nedelchev se marcha de casa y huye a la costa del Mar Negro, donde tendrá variados empleos para sobrevivir. A los dieciocho años tendrá que cumplir con el servicio militar obligatorio de tres años de duración. Una vez terminado se inscribirá en una nueva escuela estatal de arte en Ruse donde conocerá al pintor Marko Monev con el que compartirá un estudio.
En 1963 Nedelchev y Monev viajaron ampliamente por toda la Bulgaria rural, dibujando y pintando e intentando a la vez contactar con otros artistas mientras viajaban. Durante este periodo en Bulgaria las condiciones históricas de los campesinos estaban cambiando debido a un proceso de colectivización. Nedelchev y Monev se dieron cuenta de que estaban viendo desaparecer muchas costumbres y tradiciones. En 1964 ambos terminaron sus viajes en el Danubio, donde Nedelchev empezó a vivir y a pintar en el estudio del artista Trifon Nikolov.
En 1966 Nedelchev empezó a exponer regularmente y en una de esas exposiciones conoce a su futura esposa, Mariya. En 1968 se casan y se mudan a Razgrad donde Nedelchev formara un sindicato local de artistas. En 1971 el arte de Nedelchev será descubierto fuera de Bulgaria donde, en Suiza, el crítico de arte y escritor Anatole Jakovsky le otorgara el premio especial en una competición mundial de arte naïve. Seguirán una serie de exposiciones y Nedelchev visitará Paris por primera vez, aunque las autoridades comunistas dejaron bien claro que aquella visita era un privilegio.
De la misma forma, la falta de acceso a galerías occidentales profesionales y al mercado del arte impedirán a Nedelchev seguir el camino profesional de cualquier otro artista occidental. Aun así, el trabajo de Nedelchev se introducirá en muchas colecciones privadas y corporativas, así como en las manos de muchos embajadores y políticos extranjeros, por ejemplo la Krupp Corporation (alemana), el Baba Research Centre (de la India) y el ex primer ministro chino Li Peng.
Radi Nedelchev es miembro del Sindicato de Artistas Búlgaros y también ostenta la Orden de Cirilo y Metodio de primera clase, el premio más alto en el arte y la cultura búlgaras.

Pintura mostrada: "Ranno-utro".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Radi_Nedelchev

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HENRI ROUSSEAU

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes del llamado "Arte Naif" (un estilo de Arte que recuerda un poco a las ilustraciones que se encuentran en los libros de cuentos para niños aveces), el gran pintor frances Henri Rousseau. Con una obra un tanto simplista, tal vez porque el artista carecia de formacion en Pintura, pero con una gran poetica imaginativa, Rousseau fue y es admirado por multiples pintores y otros tantos genios. Ahora les dejo una biografia de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

(Henri Julien Félix Rousseau, llamado el Aduanero; Laval, Francia, 1844 - París, 1910) Pintor francés. Por sus humildes orígenes no pudo recibir una formación artística y no se dedicó a la pintura hasta 1893, por lo que se le considera autodidacta. Su peculiar pintura figurativa, que combina la ingenuidad formal con la sofisticación temática y compositiva, constituye un caso único en el marco de las experiencias innovadoras de su época. Después de unas primeras obras (paisajes y naturalezas muertas) en las que describe minuciosamente la realidad eliminando por completo la perspectiva, Henri Rousseau pasó a colocar sus figuras en un espacio bidimensional de ambiente mítico, como es el caso en La cabalgata de la desolación. Sin embargo, sus obras más interesantes son aquellas que representan un mundo exótico, lleno de visiones oníricas, a menudo ambientadas en la jungla. En esta línea se inscribe sobre todo el famoso cuadro La encantadora de serpientes (1907). Su obra ejerció una destacada influencia en la pintura naif.

La misteriosa poesía y la sencilla técnica de los cuadros de Henri Rousseau, ambientados con frecuencia en escenarios exóticos, hicieron de él el prototipo del llamado artista naif o ingenuista. En la década de 1890 su obra fue objeto de la atención de Degas y Gauguin, entre otros; más tarde sería celebrado por los cubistas como uno de los innovadores de la pintura europea de finales del siglo XIX.

De origen humilde, durante su juventud pasó cuatro años en el ejército, y en 1871 se estableció con su esposa en París como empleado de los arbitrios (oficinas fiscales) municipales, lo que daría origen a su sobrenombre. Apasionado por la pintura pese a su carencia de formación técnica, en 1886 presentó en el Salón de los Independientes su primer cuadro conocido, El carnaval de los animales, que pasó inadvertido y que mostraba ya su tendencia a la representación detallista (producto de su admiración por el arte académico) y al empleo de colores intensos y sutilmente modulados, que serían rasgos característicos de toda su obra.

En 1893 Rousseau, aunque ignorado o ridiculizado por los críticos, abandonó su trabajo para dedicarse plenamente a la pintura. Vivió de una pequeña pensión y de los retratos que pintaba a sus vecinos, y fundó una pequeña escuela donde enseñaba arte y música. Formalmente carecía de instrucción artística, pero con trabajo metódico y tenaz llegó a dominar la técnica del óleo. Admiraba el formalismo de la pintura academicista, pero su propia obra se caracteriza ante todo por la ingenuidad, el calor humano y la percepción poética.

Pronto obtuvo cierto reconocimiento en los círculos artísticos de vanguardia gracias a obras como La guerra (1894), alegoría de gran fuerza expresiva, y La gitana dormida (1897), cuyo paisaje desolado e irreal, interrumpido sólo por las figuras de una joven yacente y un león situado junto a ella, fue una de las primeras muestras de su capacidad para crear mundos de un onírico lirismo. Admirado por artistas de la talla de Pablo Picasso y el escritor Guillaume Apollinaire, que apreciaban su talante a un tiempo ingenuo y orgulloso, Rousseau creó desde 1905 una serie de extraordinarias escenas selváticas (El león hambriento, La encantadora de serpientes, El sueño de Yadivigha) cuya apelación a un perdido paraíso natural influyó no sólo en el arte naif, sino en numerosas corrientes imaginativas de la pintura posterior.

Dentro de la serie de pinturas sobre la jungla, La encantadora de serpientes (1907) es una excelente muestra del estilo de Rousseau, antirrealista y evocador de espacios y situaciones entresacados de la infancia y de los sueños. En esta tela, la figura principal se presenta oscurecida, lo que incrementa su misterio, tocando una flauta a cuyo son parecen acudir los animales, además de las serpientes mencionadas en el título. El marco que sirve de fondo a la escena se presenta ricamente ornado por una abundante y variada vegetación, más fabulosa que real. El cuadro fue pintado a partir de la narración de un viaje a la India que le hizo la madre del pintor Delaunay.

Tomada en su conjunto, los temas de la obra de Henri Rousseau van desde los barrios pequeño burgueses de París a las flores, pasando por imágenes de sueños simbólicos y paisajes de fantasía. Sus imaginarios animales y extrañas flores están inspirados en estudios hechos en los jardines botánicos y zoológicos, y posiblemente también por un viaje a México que realizó en su juventud, aunque actualmente se tiende a pensar que tal viaje no es más que una leyenda. Los colores de sus cuadros son intensos y elementales, y el dibujo está simplificado hasta el punto de recordar las producciones infantiles.

No obstante, este acercamiento al arte del pueblo está teñido de una paradójica sofisticación, y las composiciones (que tienen cierta similitud a veces con las de Marc Chagall, otro artista empeñado artificialmente en alcanzar una expresión de apariencia espontánea) poseen una vigorosa carga romántica. Uno de sus paisajes, El sueño, tuvo su interpretación poética en un poema del escritor y crítico Apollinaire, que al igual que Picasso y otros, apoyaron a Rousseau y lanzaron su obra.

El interés del público europeo por el arte primitivo de finales del siglo XIX allanó el camino para la pintura ineducada y poética de Rousseau. Su obra halló pleno reconocimiento ya antes de su muerte, y actualmente el Aduanero está considerado como uno de los principales representantes de la pintura naif y de las tendencias neoprimitivistas. Sus motivos alegóricos y simbólicos señalan también el camino del surrealismo.

 Pintura mostrada: "Bouquet of Flowers with an Ivy Branch".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rousseau.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).