DAMIÁN FLORES LLANOS

Este dia queria poner a uno de mis pintores actuales preferidos, el gran artista español (cuando no, de España tenia que ser) Damián LLanos, con su peculiar estilo personal que no deja de asombrarme. Perdonen que no lograra encontrar una biografia suya con el apuro (si es que la hay en algun lado del Internet -esto lo extraje de Wikipedia-), pero es que en verdad queria ponerlo en el blog para quienes no lo conocian se interesen en su obra. 

Damián Flores Llanos, (Acehúche, Cáceres, 18 de agosto de 1963) es un pintor e ilustrador español. Damián Flores es uno de los representantes de la reciente pintura figurativa española, y es conocido por sus paisajes urbanos. En su obra predomina la técnica del óleo, aunque también trabaja con acuarela, grabado y serigrafía. También ha ilustrado libros y ha diseñado dibujos para cerámicas. Heredero de la pintura metafísica y del Surrealismo, destaca por su interés por la arquitectura racionalista de Madrid, motivo frecuente de su obra en óleo. Entre sus trabajos al óleo de los últimos años, e inspirado en la obra de Edward Hopper, figura la serie de cuadros que ilustran los rincones y las construcciones de una ciudad desaparecida, el Madrid de los años '30, unos lugares perdidos, reencontrados en blanco y negro y revividos o resucitados con sus colores.

Damián Flores pasó gran parte de su infancia en Belalcázar (Córdoba). Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de grabado. Desde 1992, ha realizado un gran número de exposiciones individuales y colectivas en galerías de Madrid, Santander, Valencia, Cáceres y Córdoba. Ha participado en varias ediciones de la feria ARCO de Madrid. Además, ha obtenido becas como la de la Academia de España en Roma en 1996. Su obra forma parte de colecciones importantes como la Museo de Arte Contemporáneo de Unión Fenosa , El Centro Gallego de Arte Contemporáneo, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz, o el Museo Municipal de Madrid.

Pintura mostrada: "Desnuda en la Habana". 

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Dami%C3%A1n_Flores_Llanos

Atte.: LM (seccion de Pintura).

DIEGO RIVERA

Este finde seguire con la pintura mexicana, y quien mejor para seguir que el gran Diego Rivera, que junto a Frida Kahlo, son lejos, los pintores mas representativos del pais en el plano mundial. Un revolucionario de la Pintura, con una vida personal algo escandalosa aun asi, pero que nunca quito su gran calidad artistica. Ahora les dejo su biografia. Ah, !y un feliz cumpleaños a Salvador Dalí!.

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao, mejor conocido como Diego Rivera, nació el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato, Guanajuato. José Carlos María, su hermano gemelo, murió al año y medio. Sus padres fueron don Diego Rivera, maestro rural y editor de un periódico de tendencia liberal, y doña Pilar Barrientos, dedicada al cuidado de su hogar. En 1892 la familia se trasladó a la Ciudad de México, donde viviría de forma permanente.

Considerado uno de los grandes artistas en el ámbito mundial, Rivera ingresó en la Academia de San Carlos a los diez años de edad. De inmediato, sus dotes artísticas asombraron a sus maestros. En 1907, a raíz de su primera exposición individual, el gobierno de Veracruz le otorgó una beca de estudios con la que viajó a España. En 1908 Rivera se instaló en París. Al año siguiente conoció a la pintora rusa Angelina Beloff, quien se convirtió en su primera esposa.

En 1910 Diego volvió a México, donde pasó una temporada e inauguró una muestra individual. Luego regresó a París. Entre 1913 y 1917 Rivera creó un importante número de obras cubistas. También explora otros estilos pictóricos. En 1915 nació su hijo Diego, quien sobrevive pocos meses; tiempo después Angelina y Rivera se divorciaron. En 1921 hizo un decisivo viaje a Italia, donde absorbió las enseñanzas de los maestros antiguos, de cuya obra realizó estudios que lo llevaron a idear su propio estilo.

A mediados de ese año, Rivera volvió a México y se integró al programa cultural del gobierno encabezado por el ministro de Educación, José Vasconcelos. El programa buscaba impulsar las riquezas culturales de México. En 1922 Rivera se casó con Lupe Marín, con quien procreó dos hijas. Se divorciaron en 1928.

Con el tema La creación, en 1922, Rivera ejecutó en la Escuela Nacional Preparatoria (Anfiteatro Bolívar) su primer mural. Le seguirán 15 más, realizados en México y Estados Unidos, como el polémico El hombre en la encrucijada (1933), realizado para el Rockefeller Center de Nueva York y destruido en breve por figurar en él un retrato de Lenin. Sin embargo, el Anahuacalli alberga los bocetos originales.

Junto con su célebre compañera Frida Kahlo, con quien se casó en 1929, Rivera lleva una intensa vida político-cultural. En 1944 pintó su afamado cuadroDesnudo con alcatraces. Con una magna exposición en el Palacio de Bellas Artes, en 1949 fue homenajeado por sus 50 años de labor artística.

En julio de 1954 falleció Frida. Con el deseo de mantener viva su memoria, Rivera decidió crear el Museo Frida Kahlo. En 1955 le diagnosticaron cáncer al muralista. Pese a su enfermedad, él trabaja con vigor. Según su propio diseño, y apoyado por el arquitecto Juan O’Gorman, se concentra en la construcción del Anahuacalli.

En 1956 Diego Rivera cumplió 70 años, por lo que se le rindió un gran homenaje nacional e internacional. De su obra destacan su magna producción mural, sus más de tres mil cuadros, los centenares de dibujos, obras gráficas e ilustraciones, así como su rico legado de escritos. El 24 de noviembre de 1957 falleció en su casa de San Ángel Inn (Museo Casa Estudio Diego Rivera). Está sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, Panteón Civil de Dolores, Ciudad de México. 

Pintura mostrada: "Vista de Toledo".

Fuentes: http://www.museoanahuacalli.org.mx/diegorivera/index.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

FRIDA KAHLO

Este fin de semana me decidi por poner de una vez por todas a alguien de la Pintura latinoamericana, y quien mejor que probablemente su mas popular representante, la gran pintora mexicana Frida Kahlo, una de las artistas mas creativas que se puedan conocer (opinion personal). Les dejo una muy bien resumida biografia de ella, y espero que se interesen en su obra en caso de no conocerla.

(Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.

Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se correspondía con su creación artística.

En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.

Pintura mostrada: "Abrazo amoroso".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kahlo.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

VICTOR VASARELY

Hoy pondre a un gigante de la Abstraccion, el enorme pintor Victor Vasarely, el proclamado "padre" del bello y atrayente Op-Art (si no conocen este estilo pictorico, les invito a investigar). Creador de maginificas obras que te dejan alucinando, Vasarely es otro de esos grandes exponentes de la Pintura Moderna europea, sus oleos son algo increible realmente, y espero dentro de poco ver algunas de sus pinturas en persona. Ahora les dejo una biografia pequeña de el.   

(Pecs, 1908 - París, 1997) Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga. Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René.

En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América. Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg. Participa, entre otras, en la exposición titulada Lumière et Mouvement en el Museo de Arte Moderno de París en 1967. En 1970 se inaugura el Museo Didáctico Vasarely en el castillo de Gordes en Vaucluse y en 1976 se inaugura la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence.

Pintura mostrada: "Artwork large".

Fuentes: http://www.artantide.es/artisti_BiografiaArtista?idArtista=175

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALEX GREY

Para hoy decido poner a un pintor psicodelico que conoci en las portadas de los albunes de Tool (y ahora me entero que fue quien realizo la portada de "In Utero" de Nirvana), un artista contemporaneo de una gran calidad artistica (tan criticada en la Pintura actual por algunos). Nacido en Ohio (Estados Unidos) el 29 de Noviembre de 1953, y aun vivo, uno de los grandes de la pintura de nuestro tiempo. Les dejo algo de informacion sobre el. Aprovecho para decirle feliz cumpleaños a Joan Miró. que cumpliria 121 años si estuviera con nosotros.  

Alex Grey es un artista visionario reconocido a nivel internacional tanto por sus sorprendentes pinturas como por ser un líder espiritual altamente destacado. Sus obras encuentran las verdades básicas de las sabidurías tradicionales de diferentes culturas y religiones alrededor del mundo y presentan, por medio de una combinación entre representaciones anatómicas que gozan de precisión médica con energías físicas y espirituales, los distintos planos de nuestra realidad como humanos en un contexto artístico. 

Este psicodélico personaje nació bajo el nombre de Alex Velzy en 1953 en la ciudad de Columbus, Ohio y desde pequeño ha estado profundamente conectado con el tema de la muerte y el transcendentalismo, cosa que se hacia notar ya que recolectaba animales e insectos muertos de su vecindario y los enterraba en el patio trasero de la casa de sus padres. Sin embargo, no fue hasta sus estudios en School of the Museum of Fine Arts en Boston que el artista verdaderamente se sumergió en este mundo. 

Fue durante este periodo que Alex conoció a su esposa, Allyson Rymland Grey, juntos se solían someter a experiencias o “viajes” místicos inducidos por diferentes drogas psicodélicas (LSD por ejemplo). Estas experiencias verdaderamente transformaron sus vidas; llevándolos del existencialismo agnóstico (una forma de existencialismo en la cual el individuo no reconoce si hay o no un poder mayor, sino simplemente actúa con base en lo que se le presenta en el momento) al trascendentalismo. 

La habilidad de Grey para representar la anatomía humana viene de sus cinco años de trabajo en el departamento de anatomía de la Facultad de Medicina de Harvard estudiando cuerpos y preparándolos para ser disecados. Este adiestramiento preparó a Alex para “Sacred Mirrors”, una serie que consta de 21 obras a tamaño real que examina el cuerpo, la mente y el espíritu capa por capa y representa la anatomía de un individuo en un contexto biológico, cósmico y energético. La serie tomó 10 años en ser completada y está en exhibición en Nueva York en The Chapel of Sacred Mirrors.

El trabajo de Alex ha sido utilizado para el arte de discos de artistas como Tool, Nirvana, Beastie Boys, para publicaciones de la revista Newsweek e incluso el Discovery Channel. También es considerado por muchos, como uno de los líderes espirituales actuales más notorios. Posicionándolo a él y a su esposa al lado del mismo Dalai Lama y curiosamente, a la conductora de televisión estadounidense, Oprah Winfrey. 

Pintura mostrada: "Adi da".

Fuentes: http://culturacolectiva.com/alex-grey-las-distintas-dimensiones-de-nuestro-ser/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC

Hoy pondre a Toulouse-Lautrec, un pintor que me fascino cuando vi un documental sobre el en Youtube (recomiendo que lo busquen), un hombre que aun padeciendo de varios "problemas" diversos no le impidieron realizar las magnificas obras que hacia, que cautivan desde el primer instante por su gran humanidad. Para algunos un postimpresionista, otros un verdadero impresionistas, otros un anticipo al Expresionismo, sea como sea fue un verdadero genio, ademas de ser muy influyente en los años venideros en el tema del diseño grafico. Les dejo su biografia resumida, y ojala quieran asi ver mas de su hermosa obra.

Nació el 24 de noviembre de 1864 en Albi, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Sus padres, Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa y la Condesa Adèle Tapié de Celeyran, eran primos en primer grado. Su familia se instaló en París en 1873. Cuando sus padres se separan en 1868, Henri quedó al cuidado de su madre. 

Como consecuencia de la consanguinidad de sus padres, padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos llamada picnodisostosis y que se le empezó a manifestar en 1874. En el año 1878 sufrió la rotura de su fémur izquierdo, al año siguiente la del derecho, razón por la que sus piernas sufrieron un desarrollo anormal a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. 

Sus habilidades para el dibujo fueron estimuladas por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec. Comenzó a pintar en 1878 en el taller de René Princeteau, pintor de temas militares y ecuestres. Más adelante estudió pintura con Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon. 

Frecuentó los cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio e hizo amistad con un grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francésYvette Guilbert. Visitante asiduo de el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones de los lugares y de sus personajes los plasmó en retratos y bocetos. Ejemplos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge(1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). 

En 1890 ya había madurado su estilo, se apartó del Impresionismo y se acercó decididamente a Edgar Degas, tal como revela el rico cromatismo, la importancia dada a la línea en la formación de la figura, y el lugar preeminente ocupado por las dinámicas figuras tomadas de la sociedad contemporánea y plasmadas en posturas características y naturales. El artista pretende dar a sus trabajos el aspecto sencillo y espontáneo del esbozo y, en realidad, a menudo sus formas se reducen a lo esencial hasta tal punto que parecen casi estilizadas. Realizadas con amplias pinceladas, sus pinturas y grabados son, en esencia, dibujos lineales. En las figuras, la cabeza aparece más acabada que el resto del cuerpo como si el ojo del pintor fuese el de una máquina fotográfica enfocada hacia un punto concreto de tal modo que el resto quedase desenfocado. Rechazando el claroscuro y el sentido plástico de la forma, se sirvió de una perspectiva descendente, cortante que recuerda tanto las estampas japonesas como el arte fotográfico de su tiempo. Su cromatismo es teatral y fantasioso, hecho de rojos oscuros y verdes. No fue un artista del plain-air: la luz, en sus escenas al aire libre, es cambiante y poco natural. Destacó, sin embargo, en la representación de la vistosa atmósfera de la vida nocturna, artificial, sórdida y densa. 

A diferencia de los Impresionistas, Toulouse-Lautrec, insistió mucho en las expresiones de las caras para revelar un carácter o un estado emotivo, y exageró los rasgos hasta caricaturizar los rostros, fascinado por temas muy peculiares como prostitutas o criaturas marginadas por la sociedad, grotescas y, al mismo tiempo, profundamente humana. En 1891 dibujó su primer cartel por encargo del Moulin Rouge para anunciar a los bailarines La Goulue y Valentín le Désosse.

Su afición al alcohol deterioró su salud, y desde 1897 padeció manías, depresiones y ataques de parálisis en las piernas y en un costado. En ese año, sufriendo delírium trémens disparó a las paredes de su casa tratando de matar arañas imaginarias. Todo esto no le impidió seguir pintando hasta que en 1899 fue internado en un sanatorio mental, donde realizó una colección de pinturas sobre el circo.

Abandonó su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de septiembre de 1901 falleció.

En 1922 se inauguró el Museo Toulouse-Lautrec en el Palacio de la Berbie. 

Pintura mostrada: "La toilette".

Fuentes:http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/145/Toulouse%20Lautrec%20-%20Henri%20de%20Toulouse-Lautrec

Atte.: LM (seccion de Pintura).

CASSIUS MARCELLUS COOLIDGE

Este finde le toca a uno de los mas populares artistas modernos, el estadounidense Coolidge, el emblematico artista creador de la famosa obra "Perros jugando al Poker". Este es uno de esos pintores que realmente no se en que estilo entraria, pero que definitivamente me gusta, y su obra me entretiene mucho. Les invito a ver algunas de sus peculiares obras, y leer esta unica biografia que encontre en Wikipedia. 

Cassius Marcellus Coolidge (Amberes, 18 de septiembre de 1844– Nueva York, 13 de enero de 1934) fue un pintor estadounidense, mejor conocido por sus pinturas que retratan a perros jugando al póker.

Nacido al norte del Estado de Nueva York, hijo de granjeros cuáqueros abolicionistas, Coolidge era conocido por amigos y familiares como «Cash». Contrajo matrimonio con Gertrude Kimmell en 1909 con la que tuvo una hija Marcella.

Mientras no contaba con una formación como artista, su natural aptitud para el dibujo lo llevó a crear historietas para un periódico local cuando rondaba los veinte años. También se le reconoce haber creado Comic Foregrounds, paneles de tamaño real con un recorte en el cual la cabeza, se coloca, para ser fotografiado como un personaje divertido.

En 1903, Coolidge fue contratado por la agencia de publicidad Brown & Bigelow de Saint Paul, Minnesota, para crear la publicidad de una firma de cigarrillos. El resultado fue una serie de dieciséis cuadros al óleo sobre perros en varias poses humanas: nueve de ellas representaban a perros jugando al poker, motivo por el cual se conoce a esta serie como Perros jugando al póquer (Dogs Playing Poker), el resto están representados también realizando actividades humanas como jugar al billar, leer un periódico o hacer de trilero.

El 15 de febrero de 2005, dos de esas pinturas, A Bold Bluff and Waterloo, fueron subastadas esperando ser vendidas entre $30.000 y $50.000, pero, sorprendentemente, fueron vendidas por $590.400. La subasta fue un record para obras de Coolidge, cuya venta más alta hasta ese momento había sido de $74.000.^2 3

En 1910 Coolidge pintó Looks Like Four of a Kind siguiendo el mismo estilo de su anterior serie Dogs Playing Poker.

Sus cuadros inspiraron al ilustrador americano Arthur Sarnoff, quien es famoso por sus Perros jugando al pool, y a cientos de imitadores.

Recientemente la película Up de Disney/Pixar homenajeó indirectamente a Coolidge al incluir una escena de perros jugando póker.

Pintura mostrada: "Pinched with four aces".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Cassius_Marcellus_Coolidge

Atte.: LM (seccion de Pintura).