WINSLOW HOMER

Para este finde, con el que se cierra este año, decidi poner a un gran pintor del Naturalismo estadounidense, hablo del artista Winslow Homer. Reconocido por su peculiar tecnica, es un gran pintor tanto en acuarela como en oleo. Ahora les dejo una biografia suya de el esperando que les guste y se interesen en su obra.

Winslow Homer (24 de febrero de 1836 - 29 de septiembre de 1910) fue un pintor naturalista estadounidense, considerado junto con Thomas Eakins como uno de los más grandes artistas de su país en el siglo XIX.
Homer nació en Boston el 24 de febrero de 1836 y su formación como pintor fue, en su mayor parte, autodidacta. En 1857 comienza a trabajar como ilustrador de revistas, convirtiéndose en un colaborador asiduo de la conocida Harper's Weekly.
Sus ilustraciones, sobre todo los grabados, se caracterizaron por sus contornos nítidos, formas sencillas, acentuado contraste de luces y sombras y por sus grupos de personajes llenos de vida. Tales características se convirtieron en una constante de su producción a lo largo de toda su carrera artística.
Durante la Guerra Civil, Homer visitó en repetidas ocasiones el frente de Virginia donde habría de pintar su primer cuadro al óleo importante, Los prisioneros del frente (1866, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York), obra notable por su fría objetividad y su vigoroso realismo.
En 1856 se traslada a Francia durante un año pero, aunque su interés en las posibilidades pictóricas de la luz natural se desarrolla de forma paralela al de los primeros impresionistas, nunca sufrió la influencia directa del impresionismo o del arte francés.
En 1873 comenzó a utilizar la acuarela, medio de expresión tan importante en su obra como el óleo. Durante la década de 1870 los temas predominantes de sus obras fueron los de inspiración rural o idílica: escenas de la vida agrícola, niños jugando y escenas de lugares conocidos poblados de mujeres elegantes. De estas últimas el ejemplo más conocido es Long Branch, Nueva Jersey (1869, Museum of Fine Arts, Boston).
El año transcurrido en Inglaterra (de 1881 a 1882), durante el cual Homer vivió en un pueblo de pescadores, provocó un cambio definitivo en la temática de su obra. A partir de entonces se concentró en escenas de la naturaleza a gran escala, en particular escenas marinas, de pescadores y sus familias. Después de fijar su residencia en solitario en Prout's Neck, en la costa de Maine (donde moriría el 29 de septiembre de 1910), produjo obras maestras del realismo tales como Eight Bells (1886, Addison Gallery, Andover, Massachusetts). En esta obra el dramatismo de la escena marina está imbuido de una cualidad épica y heroica que representa el tema dominante de su madurez: la lucha del hombre con las fuerzas de la naturaleza.
A partir de 1884, Homer pasó muchos inviernos en Florida, en las Bahamas y en Cuba. Gran parte de las muchas escenas que pintó del trópico son acuarelas de ejecución que podría calificarse de plenairista o incluso de pintura rápida, con un estilo muy avanzado para su época: fresco, suelto, espontáneo, casi impresionista, pero sin perder jamás su relación básica con el naturalismo.
De 1899 es una de sus obras más impactantes, La corriente del Golfo (Museo de Arte Metropolitano de Nueva York), en la que un solitario marinero negro navega en una pequeña y destrozada embarcación, rodeado de tiburones e incomunicado en medio de un mar encrespado con fuerte oleaje.
La grandiosidad de su temática y la fuerza expresiva de sus obras ejercieron una influencia dominante en la pintura realista de Estados Unidos.

Pintura mostrada: "Summer night".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Winslow_Homer

Atte.: LM (seccion de Pintura).

Johann Strauss II

Para la seccion de Musica, esta vez le toco al enorme compositor austriaco (entre tantos grandes compositores de Austria) Johann Strauss hijo. Es mundialmente reconocido por sus increibles vals, bailados por todas partes. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en el.

Johann Strauss nació en Viena el 25 de octubre de 1825 y murió en la misma ciudad el 3 de junio de 1899) compositor austriaco, hijo de Johann Strauss y hermano de Josef y Eduard, todos ellos compositores también, aunque no alcanzaron la fama de Johann al que se le conocía en Viena como “el rey del Vals“, debiéndose en gran parte a sus composiciones la popularidad de la que gozó este género musical en la Viena del siglo XIX.

Aunque su padre no deseaba que su hijo se dedicara a la música, estudió secretamente violín. Cuando su padre abandonó a la familia, contando Johann 17 años, pudo éste dedicarse plenamente a su carrera como compositor. A los 19 años realizó su primera aparición en público dirigiendo su propia orquesta. A la muerte de su padre unió su grupo a la orquesta que su padre había lanzado a la fama. En sus múltiples giras por Europa y en 1876 por Estados Unidos interpretó sus propias composiciones y en especial sus valses. Entre los más famosos se encuentran “El Danubio azul” (1867), “Cuentos de los bosques de Viena” (1868), “Rosas del sur” (1878) y “Voces de primavera” (1881). Entre 1871 y 1897 compuso 16 operetas para los teatros de Viena, entre las que destacan Die Fledermaus (El murciélago, 1874) y Der Zigeunerbaron (El barón gitano, 1885).

Sus composiciones le granjearon la admiración de eminentes compositores contemporáneos, incluyendo a Johannes Brahms al que le unía una amistad personal. Falleció de neumonía en su ciudad natal a la edad de 73 años.

Obra musical: https://www.youtube.com/watch?v=3hLF35Lecyo

Fuentes: https://sinalefa2.wordpress.com/2009/06/27/johann-strauss/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

YVES KLEIN

Para este finde decidi poner a uno de los enormes artistas franceses contemporaneos, hablo de Yves Klein, el pintor que "invento" un color. Etiquetado dentro del llamado Neodadaismo fue un hombre muy influyente en gran parte del Arte actual, con sus reconocidas obras monocromaticas azules, o sus pinceles humanos, o su claro excentricismo. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica en general.

(Niza, 1928 - París, 1962) Pintor francés. Su prematura muerte contribuyó a consolidar la aureola mítica que la intensidad y el carácter insólito de sus propias actividades (acciones, pinturas, exposiciones o composiciones musicales) le habían ya proporcionado en vida.

Klein fundía el inconformismo dadaísta con una profunda espiritualidad que se sustentaba en su pasión por la filosofía oriental y por el esoterismo. De hecho, estaba adscrito a la secta de los Rosacruces y practicaba el kárate como una forma de integrar la energía física y la espiritual. Todas sus acciones tenían para él un sentido metafórico y con ellas anticipó prácticas que luego se hicieron comunes a lo largo de la década de los sesenta.

En 1954 inició sus pinturas de campos monocromos, que al principio eran de diversas tonalidades pero que finalmente redujo al azul ultramar. Este color llegó a ser hasta tal punto una huella de reconocimiento de sus obras que él mismo lo bautizó como color IKB (International Klein Blue).

Sus Antropometrías son pinturas realizadas por mujeres desnudas que se embadurnaban en azul IKB y se convertían en una continuación del pincel del artista cuando dejaban la huella de sus cuerpos sobre lienzos extendidos en la pared o el suelo. En ocasiones las realizó en público y acompañado por músicos, preludiando lo que hoy llamaríamos performances.

Klein quiso elevar a la categoría de agente plástico a diversos elementos como el humo, el aire o el fuego, y, mediante un lanzallamas, realizó diversas series de Pinturas de fuego, cuyas superficies mostraban la huella de múltiples y pequeñas quemaduras. Sus últimas obras fueron las Cosmogonías, soportes pintados que dejaba al aire libre para que los agentes atmosféricos actuaran sobre ellos.  

Algunas de sus actividades anticipan lo que será el arte conceptual; entre ellas, la presentación en la galería Iris Clert de París de una exposición titulada Vacío (1958). Consistió en dejar un espacio completamente desnudo, lo que para Klein significaba una exhibición de zonas de sensibilidad pictórica inmaterial, que no dudó en "vender". Las ganancias fueron arrojadas al Sena. El anticonvencionalismo de las escenificaciones de Klein y el plurimorfismo de su obra respondían a un profundo deseo de despertar la conciencia espiritual del ser humano, de amplificar su capacidad para sentir las fuerzas del cosmos y conocer la verdadera esencia del universo.

Pintura mostrada: "Monogold sans tire (MG 25)".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klein_yves.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

PABLO REY

Para este finde decidi subir a un artista contemporaneo español, de un estilo que fue avanzando con el correr de su carrera a una interesante y genuina abstraccion (sin especificar mas aun su estilo dentro de esta), hablo de Pablo Rey. Este pintor es actualmente reconocido a nivel mundial por su obra artistica, con su toque personal facil de identificar. Les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Pablo Rey Sendón (nacido el 12 de agosto de 1968 en Barcelona) es un pintor español. De familia de artistas, se inicia en el arte de la pintura de la mano de su padre, el reputado pintor realista Gabino Rey. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona.
En 1989 recibe el premio "Talens", concedido en el concurso de pintura joven de la galería Sala Parés de Barcelona y en 1992 el premio “Raimon Maragall i Noble", en el mismo certamen. En 1994 la Universidad de Barcelona adquiere, en convocatoria abierta, una de sus obras para la colección Patrimonio. En sus primeras obras se manifiesta como un pintor neoexpresionista que evolucionará hacia la abstracción.
En 1996 se traslada a vivir y trabajar a Nueva York. En 1997 participa en The Grammercy International Art Fair de Nueva York, con la galería Pierogi 2000 y es seleccionado junto a otros artistas de Nueva York para participar en la exposición "New Tide", en el Williamsburg Art & Historical Center de Brooklyn, Nueva York. En 1998 es seleccionado junto a Juan Uslé, Francisco Leiro Lois, Peyo Irazú, Antonio Murado, Victoria Civera y otros artistas para participar en la película documental "98 EN NY", producida por canal +, sobre artistas españoles en Nueva York.
En 1999 viaja en coche desde Nueva York a Tejas, de este viaje realiza una serie de obras tituladas NY-TX, que expondrá en la galería Holland Tunnel Art Projects de Nueva York en el mes de junio de 2000. En 2004 realiza la exposición: "Dos pintores sobre un mismo lienzo", con el pintor Luis Trullenque, en el castillo de Benedormiens de Castillo de Aro en Gerona.
En 2005 en la presentación de la exposición “Estados Complementarios”, en la Galería Carmen Tatché, la crítica e historiadora del arte Pilar Giró afirmó que "Pablo Rey es una voz singular dentro del panorama artístico internacional y ha sabido conciliar de forma especial racionalidad y lirismo en su obra".
En el año 2009, realiza la exposición "Conjuncions", tres pintores sobre el mismo lienzo, con Alex Pallí y Luis Trullenque. Exposición que se inaugurará ese verano en el antiguo monasterio de Sant Feliu de Guíxols y en 2011 viajará en la Casa de Cultura de Gerona.
El pintor catalán ha realizado gran número de exposiciones, entre las que cabe destacar las del Williamsburg Art & Historical Center de Brooklyn, 76Varick Gallery de Nueva York, Gallery of The Nederlandche Bank de Ámsterdam, IX Bienal de Arte Ciudad de Oviedo, Holland Tunnel Art Projects de Nueva York, Lewisham Art House de Londres y Mundo Art Gallery, en Laren, Ámsterdam.

Pintura mostrada: "Ascenso al Tártaro".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Rey

Atte.: LM (seccion de Pintura).

FREDERIC LEIGHTON

Para este finde decidi poner a un de los representantes de la llamada "Pintura academica", hablo del artista ingles Leighton. Aparte de ser asociado al Prerrafaelismo, en el Academicismo tambien se lo etiqueto, y esta entre sus representantes segun algunos. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica, tanto de pinturas como de esculturas.

Leighton nació en Scarborough en una familia dedicada a los negocios de importación y exportación. Estudió en la University College School, Londres. Recibió su educación artística en el continente europeo, primero de la mano de Eduard Von Steinle y después de Giovanni Costa. A la edad de 24 años, viajó a Florencia, donde asistió a la Academia de Florencia y pintó la procesión de la madonna de Cimabue a través de Borgo Allegri. Vivió en París desde 1855 a 1859, allí conoció a Ingres, Delacroix, Corot y Millet.

En 1860, se trasladó a Londres, donde se asoció a los Prerrafaelitas. Diseñó la tumba de Elizabeth Barrett Browning por encargo de Robert Browning para el English Cemetery de Florencia en 1861. En 1864 se convirtió en socio de la Royal Academy y en 1878 pasó a ser su presidente (1878–96). La escultura que realizó en 1877, Atleta luchando con una Pitón, fue considerada en su momento el renacimiento de la escultura británica contemporánea, consagrándose como el origen y mayor exponente del movimiento de la New Sculpture. Sus cuadros representaron a Inglaterra en la Exposición Universal de París (1900).

Leighton fue ordenado Caballero Bachelor en el castillo de Windsor en 1878, y se le concedió el título de baronet ocho años más tarde. Fue el primer pintor al que se le otorgó el Par, en la Lista de Honores de Año Nuevo de 1896. La patente que lo convirtió en Baron Leighton de Stretton en el Condado de Shropshire, se hizo pública el 24 de enero de 1896; Leighton murió al día siguiente de una angina de pecho.

Como no estaba casado, tras su muerte su baronía desapareció tras sólo un día de existencia; este es el récord de un Par. Su casa en Holland Park, Londres se ha transformado en un museo, el Leighton House Museum. Contiene un número significativo de sus dibujos y pinturas, así como algunas de sus esculturas (incluyendo el Atleta luchando con una pitón). En la casa también se muestran muchas de las inspiraciones de Leighton, como su colección de azulejos nicenos. La parte central es el magnífico Hall árabe que apareció en el número diez de la revista Cornucopia.

Como no estaba casado, tras su muerte su baronía desapareció tras sólo un día de existencia; este es el récord de un Par. Su casa en Holland Park, Londres se ha transformado en un museo, el Leighton House Museum. Contiene un número significativo de sus dibujos y pinturas, así como algunas de sus esculturas (incluyendo el Atleta luchando con una pitón). En la casa también se muestran muchas de las inspiraciones de Leighton, como su colección de azulejos nicenos. La parte central es el magnífico Hall árabe que apareció en el número diez de la revista Cornucopia. 


Pintura mostrada: "Girl".


Fuentes: http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7339


Atte.: LM (seccion de Pintura).

JEAN HONORE FRAGONARD

Para este finde decidi poner a uno de los grandes pintores del Rococó, hablo del frances Fragonard. Este pintor fue de mucha inspiracion para otros artistas de sus tiempos, e incluso quizas su influencia llegue hasta la fecha. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

(Grasse, 1732- París, 1806) Pintor francés. Discípulo de Chardin y de Boucher, en 1752 obtuvo el gran premio de Roma. Estudió a los grandes maestros del Renacimiento y, en especial, a su contemporáneo Tiépolo.

A su regreso a París, se dedicó a la pintura de temas galantes y sentimentales, con los que alcanzó un éxito extraordinario. Entre sus obras maestras, destaca la serie de pinturas que le encargó madame du Barry para decorar su palacio, conocidas como Los progresos del amor en el corazón de las jóvenes. También pintó escenas familiares (Joven madre; Feliz fecundidad; Visita al ama), paisajes y retratos (El abate de Saint-Non; Autorretrato). En 1773 volvió de nuevo a Italia y realizó una serie de dibujos a la sanguina de monumentos de aquel país, para los que se inspiró en los maestros italianos y holandeses, aunque sin perder por ello originalidad.

Fragonard es uno de los mayores representantes de la pintura del s. XVIII. Su estilo fogoso, pleno de desenvoltura, y su vivísima sensibilidad se expresan con la misma facilidad en las escenas galantes o morales que en los retratos y en las composiciones o escenas de costumbres. La Revolución puso fin a la demanda de obras del género galante y los últimos años de su vida transcurrieron en la miseria. Este artista resume en su obra las aspiraciones del s. XVIII, con sus contrastes y contradicciones.

Pintura mostrada: "The swing".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fragonard.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

EDUARDO ROSALES

Para este finde decidi poner al pintor "purista" español Eduardo Rosales, que se suma a la lista de los enormes artistas salidos de España. Con un estilo que fue evolucionando con los años Rosales se convirtio en un ÉL pintor. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Hijo segundo de un modesto funcionario, estudió en el colegio de los Escolapios y en el Instituto de San Isidro. Ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumno de Federico Madrazo.
Llegó a Roma en octubre de 1857, por sus propios medios y sin ayuda oficial, aunque más tarde conseguiría que le concedieran una pensión extraordinaria. Se unió al grupo de pintores españoles que se reunían en el Antico Caffè Greco (Casado del Alisal, Dióscoro Puebla, Fortuny). Allí comenzó a asociarse con los círculos puristas nazarenos, pero pronto abandonó esa tendencia, en la que realizó su primera obra de importancia, Tobías y el ángel. A continuación se interesó por un estilo más realista, en el que realizó su gran obra maestra, Doña Isabel la Católica dictando su testamento, conservada en el Museo del Prado. Acudió con ella a la Exposición Universal de París de 1867 y luego volvió a Roma, a donde le llegó un telegrama de sus amigos, el paisajista Martín Rico y Raimundo de Madrazo, dándole la noticia del éxito alcanzado por su cuadro: primera medalla de oro para extranjeros. Le concedieron también la Legión de honor.
Se casó en 1868 con su prima Maximina Martínez Pedrosa y tuvo dos hijas, de las que le sobrevivió una, Carlota. A la mayor, Eloísa, muerta al poco tiempo de nacer, puede vérsela en el cuadro Primeros pasos. En busca de mejorar su salud, pues estaba enfermo de tuberculosis, pasaba temporadas en Panticosa. En 1869 regresa definitivamente de Roma y pone estudio en Madrid. Las duras críticas que recibió su obra La Muerte de Lucrecia (1871) lo desanimaron y no volvió a pintar cuadros de gran formato.
En 1872, buscando un mejor clima para su afectada salud, se trasladó a Murcia. Al proclamarse la I República española, le ofrecieron diversos cargos, como director del Museo del Prado o de la Academia de España en Roma, que no pudo aceptar debido a su mal estado de salud, muriendo poco después.

Pintura mostrada:  "Mujer desnuda dormida".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Rosales

Atte.: LM (seccion de Pintura).

WILLIAM HOLMAN HUNT

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes de la pintura del Prerrafaelismo, hablo del enorme artista ingles William Holman Hunt, de los mejores pintores del pais. Buscaba volver a la pintura previa a Rafael. Les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

(Londres, 1827-1910) Pintor británico, cofundador de la misteriosa Hermandad Prerrafaelista junto a Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais en 1848. Fue el único miembro de la hermandad que permaneció fiel a lo largo de toda su carrera a los objetivos prerrafaelistas, que, según él propugnó, pretendían realizar un estudio abierto de la naturaleza sin tener en cuenta las tendencias idealizadoras e insinceras en que había caído la pintura después de que surgiera la figura de Rafael, por lo que impulsó la idea de retroceder más allá del maestro y volver a la época en que los artistas todavía eran artesanos "fieles al Señor" que se esforzaron en copiar la naturaleza, no pensando en la fama terrenal, sino en la mayor gloria de Dios.

Su obra fue notoria por su atenta precisión, la acumulación de detalles, y el énfasis didáctico y piadoso que puso en mostrar un simbolismo moral o social. A partir de 1854 viajó en varias ocasiones a Egipto y Palestina para pintar las escenas bíblicas con exactos detalles locales. Por ejemplo, este entorno palestino se plasma en su obra más conocida El chivo expiatorio (1854-1855), en el que vemos al animal proscrito en las orillas del Mar Muerto, en una escena de autenticidad histórica, que cuenta con una paleta áspera y estridente capaz de transmitir un sentimiento algo empalagoso. Parecida impresión produce, en la actualidad, su famoso cuadro El hallazgo de Cristo en el templo (1854). 

Pintura mostrada: "The scapegoat".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hunt.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HENRI FANTIN-LATOUR

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes de la pintura del Simbolismo, hablo del artista frances Henri Fantin-Latour. De su obra sobresalen sus pinturas de diversas tipos de flores, muy hermosas Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Contemporáneo de los pintores impresionistas, el francés Henri Fantin-Latour destacó por sus cuadros florales y sus retratos de grupo de los intelectuales parisienses de la épocaHijo. del también pintor Théodore Fantin-Latour, que le inició en el arte de la pintura, asistió a clases en la École de Dessin de París. Sin embargo, su verdadera formación la encontró en la copia de los maestros clásicos del Musée du Louvre, especialmente Tiziano y Veronés. Posteriormente, en 1861, fue discípulo durante un breve periodo de Gustave Courbet, aunque su realismo discreto e íntimo, tan diferente del de su maestro, hizo que pronto siguiesen caminos diferentes
En. 1855 conoció a James Whistler y con él realizó el primero de sus viajes a Gran Bretaña. Allí encontró la mejor clientela para sus bodegones y pinturas florales, que alcanzaron una fama extraordinaria por su realismo, comparable al de la pintura holandesa del siglo XVII
Desde. 1861 expuso asiduamente en el Salon. En 1863 estuvo representado en el Salon des Refusés y en 1864 participó en el homenaje a Eugène Delacroix. Sin embargo, y a pesar de su amistad con Édouard Manet, rechazó la invitación para participar junto a los impresionistas en su primera muestra de 1874
A. partir de la década de 1870 el giro hacia una temática más literaria le relacionó con el simbolismo. Paralelamente, en sus obras se reflejó su descubrimiento de la música contemporánea alemana de Robert Schumann, Johannes Brahms y Richard Wagner, que también le sirvió como fuente de inspiración. Murió en 1904 en Orne, lugar donde desde la década de 1870 pasaba los veranos junto a su mujer.

Pintura mostrada: "Roses".

Fuentes: http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/200

Atte.: LM (seccion de Pintura).

MAXIMILIEN LUCE

Para este finde, decidi poner a otro paisajista, en este caso se trata de Maximilien Luce, un pintor frances que entra en la lista de esos grandes artistas que no tienen el reconocimiento que merecen. Les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en la obra de este artista anarquista.

Maximilien Luce, Nace el 13 de marzo de 1858 y fallece el 6 de febrero de 1941 en París, es un artista francés, impresor, pintor, anarquista.
Estudia en la "Escuela de Artes Decorativas", posteriormente trabaja como xilógrafo. En 1872 estudia con Adolf von Hildebrand, y asiste a clases nocturnas de Maillart. Su estilo será influenciado por los impresionistas.
Alcanza una moderada notoriedad utilizando el método puntillista, que fue desarrollado por Georges Seurat. Tiene su ascendéncia en le mundo obrero de Montparnasse, y se transforma en un paisajista plasmando escenas de barrios industriales y de hombres trabajando en los cuales exalta el esfuerzo. Es impactado por el descubrimiento de los nuevos colores de la Revolución industrial, en particular la del "Sillon Sambre-et-Meuse". Como Camille Pissarro, es un anarquista activo. Durante la Gran Guerra, Luce pinta escenas de combates, pintuta militantemente astil a los horrores de la guerra.

Pintura mostrada: "Tall furnaces".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Maximilien_Luce

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JOAN FUSTER BONNIN

Para este finde decidi poner a un gran pintor paisajista, el español Joan Fuster Bonnin. Tuvo la capacidad de adaptarse a multiples tecnicas sin abandonar su estilo propio, lo que lo convirtio en un gran artista en su estilo. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Joan Fuster nació en Palma el 1870, hijo de un comerciante de material de pesca,
ingresa en la Escola de Belles Arts de Palma en 1879 donde su director era ni más ni menos que Anckerman y quién, además, fué su profesor de dibujo natural donde consiguió varias menciones honoríficas. Una vez terminada su paso por la Escola, Fuster entró directamente al taller de Anckerman, algo que Joan Fuster siempre mencionó a lo largo de su vida. En 1894 comenzó su andadura expositiva empezando por Palma, una andadura que duró cerca de cincuenta años, y en 1896 participó en la Exposició General de Belles Arts de Barcelona junto a O´Neille, Anckerman, Antoni Ribas y donde recibió muy buenas críticas.

Pero es en lo primeros años del siglo donde se concentra la mayor productividad de Joan Fuster, donde convierte el paisaje en el eje de su obra, sin dejar de lado el retrato ni la figura.

Gracias a su amistad con Russinyol y Mir, aprende a utilizar los trazos modernistas catalanes, con nuevos colores principalmente cromáticos y nuevas temáticas. A esto se le une las relaciones con Eliseo Meifrén quién le ofrece una pintura desenvuelta, fluída y rica en colores, utilizando la técnica de los impresionistas franceses.

A todo esto le tenemos que unir la llegada de Anglada-Camarasa con su "troupe" a la isla, ya definimos que la llegada de Hermenegildo significó una revolución en los pintores isleños y que fué muy aceptado, aunque no por la mayoría, por una gran cantidad de pintores y sobretodo por la crítica del momento. Esto afecta a Joan Fuster en lo mejor ya que disponía de veinte años de experiencia, por lo tanto se lo tomó con la tranquilidad necesaria, su pincelada se volvió más gruesa, la paleta cobrá más fuerza e intensidad, mantiene sus verdes pero a esto le suma una extensa gama de azules, y colores cálidos. 

Joan Fuster supo amoldarse a todas las técnicas, pero sin perder su esencia, fué un pintor muy productivo, realizó múltiples exposiciones que le llevaron hasta Buenos Aires y ganó varias distinciones entre ellas la Medalla de Oro de la Exposición Internacional de Marsella.

Sin duda alguna nos encontramos ante un maestro que, como bien dijo Gaspar Sabater "Su paleta captó la isla en su integridad, su caballete se asentó en lo más escarpado de la sierra mallorquina", Joan Fuster supo como nadie retratar el paisaje mallorquín, un paisaje vital para la sociedad mallorquina, algo que tenía muy claro el pintor y que comentó en un artículo en el periódico El Dia: "Es de interés de todos los mallorquines, sin distinciones, defender nuestro paisaje porque es nuestra esencia. No podemos desaprovechar ninguna ocasión que se nos presente para enaltecerlo, afirmarlo y pregonarlo tanto como sea posible. Las ocasiones, las debemos aprovechar todas, porque precisamente de la fama del paisaje mallorquín han de emanar días de prosperidad y bienestar para toda Mallorca", nunca mejor dicho.

Pintura mostrada: "Paisaje mallorquín".

Fuentes: http://pinturamallorca.blogspot.com.ar/2013/06/joan-bonnin-el-maestro-efectivamente-lo.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALOISE CORBAZ

Para este finde, siguiendo con el "Art Brut", decidi poner a la artista suiza Aloïse Corbaz. Fue una pintora esquizofrenica, y fue por ello que Dubuffet se intereso en su obra, de un estilo muy personal. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Aunque soñó con ser una cantante, encontró trabajo como profesora y como institutriz en la corte del káiser alemán Guillermo II. Mientras estaba allí, desarrolló un enamoramiento obsesivo por el káiser que le llevaría a ser diagnosticada de esquizofrenia y confinada en un hospital psiquiátrico en el año 1918.
Comenzó a dibujar y a escribir poesía en secreto alrededor del año 1920, pero la mayor parte de sus primeras obras han sido destruidas; el director del hospital médico Hans Steck y la médica de cabecera Jacqueline Porret-Forel se interesaron por vez primera en el año 1936, y su obra fue finalmente descubierta por Dubuffet en 1947.
Su obra es erótica, consistente principalmente en hermosas mujeres con curvas voluptuosas y cabellos flotantes a las que prestan atención amantes en uniforme militar. Usó colores vívidos de tizas, pinturas y zumo de flores para llenar hojas enteras de papel. Su compulsión de hacer marcas en cada pulgada de papel es un horror vacui notablemente parecido al de Adolf Wölfli.

Pintura mostrada: "Dolli cup-Pierre Gautier".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Alo%C3%AFse_Corbaz

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JEAN DUBUFFET

Para este finde, decidi poner a uno de los mas emblematicos artistas de la segunda mitad del siglo XX, hablo del pintor y escultor frances Jean Dubuffet. Es considerado el padre del "Art Brut", uno de los mas controvertidos estilos del Arte Contemporaneo, pero sin duda uno de los mas interesantes tambien. Ahora les dejo una biografia breve de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Dubuffet fue un pintor tardío, que comenzó su carrera artística a los 41 años.

Si bien comenzó a los 17 años a estudiar pintura en la Académie Julian, de París, luego de seis meses la abandonó para estudiar de forma independiente.

En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura en la década de 1930, pero volvió a interrumpirla, para continuarla por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte popular, el de enfermos psiquiátricos, prisioneros y niños.

Privilegió una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli.

La importancia del arte de Dubuffet radica en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y técnicas tradicionales.
Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de prestigio internacional.

Dubuffet pretendía crear un arte libre de las preocupaciones intelectuales, creando figuras elementales y pueriles y, a menudo, crueles, inspirado en los dibujos de los niños,los criminales y dementes. Personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie "DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS".

Muchas de sus obras fueron realizadas con óleos, sobre un lienzo reforzado con diversos materiales -arena, alquitrán, paja, barro, yeso o detritus orgánicos- que aportaban una inusual superficie texturada.

Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul.

Calificado como uno de los artistas más enigmáticos de la segunda mitad del siglo XX, no cesó de evolucionar y de expandir su arte.

A los 61 años, comenzó a trasladar sus pinturas bidimensionales a las tridimensionalidad, buscando corporalidad, logrando lo que se conoce lo que se conoce como su periodo “Hourlope” (1962 – 1974), en el que realizó esculturas en poliestireno pintadas con vinílico.

Estas esculturas o “dibujos que se expanden en el espacio” -como él mismo quería que fueran conocidas- se caracterizan por el uso de cuatro únicos colores -rojo, blanco, negro y azul.

Reflejan el interés de Dubuffet por la arquitectura y también, por la idea de crear obras que pudieran estar en la calle, a la vista de los paseantes circunstanciales, constituyendo un precedente del street art o arte urbano.

Pintura mostrada: "Logologie".

Fuentes: http://www.revistadeartes.com.ar/xix_pintura_dubuffet.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HUGO LAURENCENA

Para este finde, siguiendo con el Hiperrealismo (de los movimientos pictoricos mas admirados en la actualidad), decidi poner al artista argentino Hugo Laurencena. Con una obra claramente influenciada por la Fotografia (Arte que claramente influencio en este estilo de Pintura), es de los mas grandes hiperrealistas latinoamericanos. Ahora les dejo una biografia corta de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Laurencena nace en 1950 en Buenos Aires, Argentina. Artista plástico que ha centrado la mayor parte de su investigación artística en torno a la pintura, el comportamiento de la luz y la descontextualización de los objetos, otorgándoles valor por si mismos en cuanto a sus capacidades formales. Es un observador incansable de los detalles, estudioso de la fotografía, con un compromiso y constante apuesta al lenguaje pictórico, para él inagotable.
A edad temprana, a finales de la década de los 70s, deja su ciudad natal para trasladarse a Nueva York, lugar en donde consolida su lenguaje artístico y en la que permanece hasta finales de los 90s. En un principio trabaja de la mano con importantes casas de publicidad, cineastas y pintores. Estando en Nueva York su trabajo atrae la atención de destacadas personalidades en el mundo del arte, como resultado comienza a participar de exposiciones individuales y colectivas, y sus obras se integran a importantes colecciones a nivel internacional como las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, entre otros.
Durante su estancia en Nueva York recorre de manera intermitente distintas ciudades en las cuales participa de manera individual y colectiva en exposiciones y proyectos artísticos. Regresa a Buenos Aires en el año de 1999 en donde consigue el éxito y reconocimiento que anteriormente había obtenido en el extranjero. Ese mismo año es invitado a Suiza en donde igualmente realiza una exposición individual en la Gallerie Eberhard. A finales de los años 90s deja definitivamente Nueva York y se traslada por un periodo corto a Miami, para finalmente, en el año 2000, visitar la Ciudad de México y decidir permanecer ahí hasta el día de hoy. Un par de años después de su llegada realiza una exposición individual con la que presenta formalmente su trabajo al mundo artístico de este país. En 2012 inaugura una exposición realizada ex profeso para el Museo Nacional de Arte, en donde su trabajo entabla un diálogo con obras específicas de la colección de este recinto. Esta muestra permanece abierta al público hasta mayo del siguiente año.
Actualmente trabaja en diferentes proyectos, siendo el más importante de ellos, por su alcance al público de Monterrey, una exposición individual en la que presentará su último trabajo.
Su producción artística ha sido merecedora de reconocimientos como los de la Colección Constantini, Novartis, Telecom, Universidad de Belgrano, entre otros. Su obra se encuentra en países como Estados Unidos, Argentina, México, Brasil, Japón, Suiza, Francia, España, Canadá, Italia, Bélgica y Uruguay.

Pintura mostrada: "Cinco sentidos".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Hugo_Laurencena

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ANTONIO LÓPEZ GARCÍA

Para este finde decidi poner a uno de los grandes pintores españoles contemporaneos, hablo del hiperrealista Antonio López García. Uno de los mas admirados movimientos de la Pintura actual, es el Hiperrealismo, y este pintor es uno de los tantos representantes del mismo. Les dejo una biografia resumida de el, esperando que les guste y se interesen en su obra artistica.

Inicios.
Fue iniciado en la pintura por su tío el también pintor Antonio López Torres.
En él ejerció notable influencia también la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura.
Estudios…En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde se formó entre 1950 y 1955. . Finalizados los estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid
Exposiciones…Tras terminar los estudios realiza sus primeras exposiciones individuales (1957, 1961) en Madrid, mientras trabaja tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer
Pintores amigos…
Junto con Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, entre otros formó parte de la llamada Escuela Madrileña.
Matrimonio..
En 1961 se une en matrimonio a la también pintora María Moreno, del que nacerían dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965.
Profesor…Desde 1964 hasta 1969 es profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
Premios de renombre…En 1985 se le concede el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En enero de 1993 es nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando.
Estilo..
La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista. Antonio López es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como lo ejemplifica su obra titulada Cuarto de baño
Cine…
En 1992 el director de cine Víctor Erice filma El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista que pinta un membrillero del patio de su casa.
Obras muy conocidas…
Su obra abarca desde las vistas madrileñas, Madrid desde Torres Blancas (1982), retratos de sus propios familiares, Los novios, objetos de uso cotidiano, Taza de water y ventana, o simplemente elementos de la naturaleza, Membrillos y granados. Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los que destacan como los protagonistas de sus cuadros. Está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña y su estilo ha influido en artistas como Toral o Villaseñor .

Pintura mostrada: "Gran vía, clavel".

Fuentes: http://antoniolopezgarcia.blogspot.com.ar/2007/05/resumen-vida-y-obra.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).  

BARTOLOMÉ ESTABAN MURILLO

Para seguir con la "Escuela de Sevilla" (en Pintura), decidi poner a otro de los grandisimos genios del Arte español, en increible pintor Bartolome Murillo. Si bien, realizo su obra años despues que Fernandez, Murillo sigue con la gran tradicion pictorica sevillana, que tanto le dio a la Pintura de España. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen por su obra.

(Sevilla, 1617-Cádiz, 1682) Pintor español. Nació en 1617 en el seno de una familia de catorce hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó huérfano de padre a los nueve años y perdió a su madre apenas seis meses después. Una de sus hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo.

En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande; la serie se compone de trece cuadros, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. 

El éxito de esta realización le aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de los que realizó multitud de versiones; sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista.

Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia).

Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció, mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una caída desde un andamio.

Pintura mostrada: "Inmaculada concepción".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/murillo.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

DISCULPAS POR NO SUBIR OTRA VEZ MAS

Disculpas por no subir este finde una biografia de algun pintor, pero les dejo una pintura del genio artistico de Salvador Dalí, de los grandes pintores sin dudarlo.

ALEJO FERNÁNDEZ

Para este finde, decidi poner a uno de los tantos grandes representantes de la denominada "Escuela de Sevilla", el gran artista español Alejo Fernández. Es uno de los geniales pintores renacentistas de España, que junto a otros le dieron  prestigio a dicho pais en el campo de la Pintura. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Nacido hacia el año 1475, su obra se caracteriza por la persistencia de los caracteres medievales, aunque con la inclusión de formas italianizantes y renacentistas.
Realizó parte de su obra profesional en Córdoba, en el retablo del Convento de los Jerónimos, y a partir del año 1508, en la ciudad de Sevilla.
Hacia 1520 realizó el retablo de la Capilla de Don Rodrigo, en el desaparecido Colegio de Santa María de Jesús, germen de la Universidad hispalense, que aún hoy se puede contemplar, restaurado, en su capilla de la Puerta de Jerez de Sevilla.
En esta ciudad realizó de 1531 a 1536 una de sus obras más importantes: el lienzo conocido como la Virgen de los Navegantes (o de los Mareantes), para la Casa de Contratación, que ahora se encuentra en los Reales Alcázares; así como su obra titulada "La Virgen de la Rosa", que se conserva en la Iglesia de Santa Ana.
Para la Catedral de Sevilla, Alejo Fernández llevó a cabo las trazas de su gran Retablo Mayor, para el cual también ejecutó algunas valiosas pinturas sobre tabla, hoy conservadas en la Sacristía de los Cálices de esta catedral.
Obra suya es también el "Tríptico de la Santa Cena" de la Seo de Zaragoza.
Se cree que Alejo Fernández murió en Sevilla, en la primavera de 1545.

Pintura mostrada: "Flagelación".

Fuentes: http://sevillapedia.wikanda.es/wiki/Alejo_Fern%C3%A1ndez

Atte.: LM (seccion de Pintura).

FERNANDO BOTERO

Para este finde decidi poner al sin dudas uno de los mejores pintores de la  Pintura latinoamericana, el colombiano Fernando Botero, con un estilo claramente personal, un tanto grotesco, y bizarro aveces. Les dejo una biografia corta suya, esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

(Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas. 

En la década de 1980 Fernando Botero se convirtió en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas suyas realizadas en bronce, mármol y resina fundida (Mujer a caballo, Perro, La corrida, etc.) pasaron a ser parte integrante del paisaje urbano de muchas ciudades.

Pintura mostrada: "Mona Lisa a los doce años".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/botero.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ZAO WOU-KI

Este finde decidi poner a un pintor asiatico, en este caso, al artista Zao Wou-Ki, de estilo abstracto. Muy influido por la cultura de su pais, desarrollo una pintura muy personal y claramente reconocible. Les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Zao Wou Ki (chino simplificado: 赵无极, chino tradicional: 趙無極, pinyin: Zhào Wújí), (Pekín, 13 de febrero de 1921 - Nyon, Suiza, 9 de abril de 2013), fue un pintor francochino.
Nacido en el seno de una familia culta, estudió caligrafía en su infancia y más tarde pintura en la facultad de Bellas Artes de Hangzhou de 1935 a 1941. Se instaló en París, en el barrio de Montparnasse en 1948 y siguió los cursos de Émile Othon Friesz.
Sus pinturas, influenciadas por Paul Klee se orientan a lo abstracto. Tienen por título la fecha en que las acaba y en ellas aparecen masas de colores que dan cuerpo a un mundo en creación, como un big bang, donde la luz estructura el lienzo. Trabaja a menudo con grandes formatos en forma de trípticos y dípticos.
Conocer a Henri Michaux le supuso renovar su técnica de tinta china, desarrollando siempre temas abstractos influidos por la pintura tradicional china.

Pintura mostrada: "Aube VI".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Zao_Wou-Ki

Atte.: LM (seccion de Pintura).

DISCULPAS POR NO SUBIR ESTA VEZ

Disculpa por no subir este finde una nueva biografia de algun pintor, y pido perdon con una obra del grandisimo artista catalan de Salvador Dalí.

MARTIN VAN HEEMSKERCK

Para hoy decidi poner, siguiendo con la Pintura religiosa, a Van Heemskerck, pintor holandes que fue muy influyente en su tiempo. Su obra religiosa, reconocida, posee personalidad completa, tanto desde el punto de vista estetico como intelectual. Ahora les dejo una biografia, esperando que les guste su obra.

Marten Jacobszoon Heemskerk van Veen o Maarten van Heemskerck ( Heemskerk, 1498 - Haarlem, 1 de octubre de 1574) fue un pintor de los Países Bajos septentrionales, retratista y pintor de asuntos religiosos, famoso por sus imaginarias reconstrucciones de las Siete Maravillas del Mundo, divulgadas por la estampa.
Su estilo juvenil se enmarcó en un manierismo «de segunda mano», aprendido mediante fuentes indirectas, como hicieron todos los artistas europeos que no podían viajar a Italia. Por ello, cuando viajó a Roma, su arte experimentó un vuelco, si bien se mantuvo fiel a una estética sofisticada y muy ornamental.
En Roma, Heemskerck estudió las estatuas antiguas que ya entonces se estaban excavando y reuniendo en palacios de eclesiásticos y nobles. Sus bocetos de la basílica de San Pedro son muy valiosos, ya que la muestran en obras, antes de la gran remodelación de Bernini.
Al volver a Haarlem, Heemskerck influyó de manera determinante en los artistas de la zona. Su aportación al arte del grabado fue enorme, pero sólo como diseñador, ya que él no grababa las planchas. Destaca una serie sobre Los triunfos del César Carlos (Carlos I de España), presumiblemente encargada por Felipe II y grabada por Dirck V. Coornhert. Un lote incompleto de ella (ocho láminas) se custodia en la Biblioteca Nacional de España en Madrid. Diseñó otras series sobre relatos del Antiguo Testamento, como la de Joash y la reina Athalia, grabada por Harmen J. Muller.
Es famoso su Autorretrato ante el Coliseo del Museo Fitzwilliam de Cambridge (Reino Unido), si bien no lo pintó en Roma, sino de vuelta en su país, basándose en bocetos tomados años antes.
De Heemskerck hay un retrato de una dama hilando en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Guarda relación con el Retrato de Anna Codde del Rijksmuseum de Ámsterdam.

Pintura mostrada: "Man of sorrows".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_van_Heemskerck

Atte.: LM (seccion de Pintura).

GIAN LORENZO BERNINI

Para este finde decidi poner a uno de los grandes genios del Arte barroco, Gian Lorenzo Bernini, que aparte de la Pintura fue un gran representante en la Arquitectura y Escultura, del que fue mucha influencia para otros artistas, pero la razon por la que es puesto es por su Pintura religiosa en este caso, la cual es muy buena e inspiradora, aparte de espiritual obviamente. Con una calidad artistica increible en todo aquello en lo que se desempeño, Bernini puede estar entre los mas grandes de la historia del Arte. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste su obra.

(Nápoles, 1598-Roma, 1680) Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa.

Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe. 

Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos. El palacio Chigi-Odescalchi, que ejerció una influencia decisiva en toda Europa, es uno de sus edificios civiles más conseguidos.

Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aporto así mismo multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe. La que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones. Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.

Pintura mostrada: "Christ mocked".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bernini.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALFONS MUCHA

Para este finde, siguiendo con el Modernismo (o Art Nouveau), decidi poner a Alfons Mucha (o "Alphonse Mucha") uno de sus mas grandes representantes, y tambien de los mas famosos. Con una obra que fue de mucha influencia para el movimiento al que pertenecio, Mucha logro un reconocimiento artistico muy bueno. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste, y se interesen en su obra.


Alfons (Alphonse) Mucha nace en 1860 en Ivanci, en Moravia (hoy República checa) en una familia numerosa de la pequeña burguesía. Desde muy joven dibuja constantemente y suele caricaturizar a sus compañeros. Después de terminar el instituto, toca como violinista en la catedral de Brno. Por ser tan buen calígrafo como dibujante, le contratan de escribano en el tribunal donde su padre ejerce de ujier. A los 19 años se traslada a Viena donde le contrata la casa Kautsky-Brioché-Burghardt, especializada en los decorados de teatro. Al cerrar esta casa Mucha se instala en Mikulov donde pinta paisajes, retratos, y realiza inscripciones para lápidas funerarias. El conde Kluen, el Señor de este lugar, le encarga unos frescos para su castillo ; dicho trabajo agrada mucho lo que le permite ser admitido entre la nobleza local.

Mucha, en 1885, entra a la Academia de Artes de Munich por dos años. Al cumplir los 27 años viaja a Paris donde se inscribe en la Academia Julian. Alphonse Mucha debe ganarse la vida y comienza entonces para él un periodo difícil que durará varios años. Sus cualidades le permiten ingresar en la importante editorial Armand Colin. Mucha vive en Montmartre donde encuentra a numerosos artistas, entre otros a Gauguin. Mucha se interesa a la fotografía, realiza ilustraciones para la prensa. Descubre el trabajo de Steinlen.

En 1894 la casualidad le permite realizar un primer cartel para una obra de teatro de Sarah Bernhardt, “Gismonda” ; un cartel que conoce un verdadero éxito - tanto del público como de la actriz lo que lleva a Mucha a colaborar con Sarah Bernhardt durante seis años bajo contrato de exclusividad del teatro. Merced a la fama internacional de la actriz, los fabricantes de perfumes, de champagne o de bicicletas tocan a la puerta de Mucha. En adelante, sus obras están en todos los muros y a diario se admiran sus creaciones para los cigarrillos Job, los bizcochos LU, el champagne Ruinart. 

Se va asociando el nombre de Art Noveau al estilo de Mucha y los encargos afluyen de todas partes, lo que conduce Mucha a ser requerido para la Exposición Universal de 1900. Empieza a enseñar en 1896. La Galería la Bodinière, en 1897, le consagra una exposición cuyo preámbulo lo escribe Sarah Bernhardt. Siguen otras exposiciones, más prestigiosas aun. Mucha viaja a Nueva York en 1905 donde su llegada se celebra como un evento excepcional. Vuelve a Francia, deseando de ahora en adelante dedicar más tiempo a la pintura. En 1908, realiza su última gran obra de Art Nouveau : la decoración del German Theatre de Munich.


En 1910, decide dedicar el resto de su vida a pintar veinte cuadros de grandes dimensiones representando la epopeya del pueblo eslavo desde la Antigüedad. Mucha emprende entonces un viaje de estudio antes de instalarse, en 1911, en Zbirov donde trabaja sobre estos grandes lienzos. Al mismo tiempo realiza unos trabajos para la joven Checoslovaquia (sellos postales, billetes de banco...) negándose a ser remunerado. En 1919, los primeros siete lienzos se exponen en Praga. Más tarde los once primeros se enviarán a Estados Unidos donde va a vivir el artista durante dos años ; dichos lienzos se granjean un enorme éxito. En 1921 vuelve a Europa para no dejarla nunca más. Dedica toda su energía a la Epopeya Eslava que entregará oficialmente a la ciudad de Praga en septiembre de 1928 pero seguirá trabajado en ella hasta su muerte.  

En 1939, a los 79 años, Mucha, enfermo, está interrogado por la gestapo. Fallece pocas semana después, diez días antes de su aniversario.

Pintura mostrada: "Autumn".

Fuentes: http://www.mchampetier.com/biografia-Alphonse-Mucha.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JAN TOOROP

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes del Modernismo en la Pintura, el artista holandes Jan Toorop, un pintor con mucha personalidad y un estilo claramente marcado. Su obra es reconocida en parte, pero aun asi debiera serlo mas para lo importante que fue dentro del movimiento al que pertenecio. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Nació en Purworedjo, Java, el 20 de diciembre de 1858.
En 1872 se trasladó junto a su familia a Holanda, donde se formó inicialmente en Delft y posteriormente en Ámsterdam.
En 1880 ingreso para estudiar pintura en la Rijksakademie de Ámsterdam.
Practicó casi todos los estilos de las vanguardias de finales del siglo XIX.
Sus inicios fueron en el realismo, evolucionó hacia el simbolismo, y posteriormente el modernismo, impresionismo, neo-impresionismo y postimpresionismo, dentro de este realizó numerosas obras puntillistas y divisionistas, para ser uno de los precursores del Art Nouveau en Europa.
De 1882 a 1886 residió en Bruselas, donde se unió al grupo Los XX, cuyo máximo exponente era James Ensor, de esta época son casi todas sus obras postimpresionistas.
Contrajo matrimonio con la inglesa Annie Hall en 1886, viviendo desde entonces a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas.
Pasó una parte de su vida en el pueblo marinero Katwijk aan Zee, Holanda, época en la que su obra adoptó su estilo más personal, el simbolismo, obras en las que incluyó motivos de su tierra natal.
Sus dibujos y figuras fueron sin duda alguna precursores del Art Nouveau.
Murió en La Haya, Holanda, el 3 de marzo de 1928.
Su obra está representada en los más importantes museos de todo el mundo, una gran parte de ellas en Holanda y Francia, entre ellos el Rijksmuseum de Amstredam y el Museo D’Orsay de París. Sus cuadros han alcanzado una alta cotización en los escasos que han llegado a algunas subastas.

Pintura mostrada: "A new generation".

Fuentes: http://trianarts.com/jan-toorop-simbolismo-y-antesala-del-art-nouveau/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

RADI NEDELCHEV

Para este finde, para seguir con el Arte Naif, decidi poner a Radi Nedelchev, un artista bulgaro de este estilo, a la par de que es un pintor contemporaneo. Su obra es relativamente reconocida a nivel mundial, aunque quizas no tanto como deberia serlo. Les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen por este gran pintor.

Radi Nedelchev ( 1 de abril de 1938) es un artista búlgaro fundamentalmente conocido como pintor del Arte naïf. Sus pinturas representan mayoritariamente escenas de la vida y fiestas populares.
Nedelchev nació en el pueblo de Ezerche, una comunidad mixta de cristianos y musulmanes a 50 km del puerto fluvial de Ruse del Danubio. Su familia era una familia de granjeros y artesanos populares, siendo su madre tejedora y su padre tallista de madera. Desde muy temprana edad Nedelchev demostró gran pasión por el dibujo.
A los quince años, después de una pelea con su padre, Nedelchev se marcha de casa y huye a la costa del Mar Negro, donde tendrá variados empleos para sobrevivir. A los dieciocho años tendrá que cumplir con el servicio militar obligatorio de tres años de duración. Una vez terminado se inscribirá en una nueva escuela estatal de arte en Ruse donde conocerá al pintor Marko Monev con el que compartirá un estudio.
En 1963 Nedelchev y Monev viajaron ampliamente por toda la Bulgaria rural, dibujando y pintando e intentando a la vez contactar con otros artistas mientras viajaban. Durante este periodo en Bulgaria las condiciones históricas de los campesinos estaban cambiando debido a un proceso de colectivización. Nedelchev y Monev se dieron cuenta de que estaban viendo desaparecer muchas costumbres y tradiciones. En 1964 ambos terminaron sus viajes en el Danubio, donde Nedelchev empezó a vivir y a pintar en el estudio del artista Trifon Nikolov.
En 1966 Nedelchev empezó a exponer regularmente y en una de esas exposiciones conoce a su futura esposa, Mariya. En 1968 se casan y se mudan a Razgrad donde Nedelchev formara un sindicato local de artistas. En 1971 el arte de Nedelchev será descubierto fuera de Bulgaria donde, en Suiza, el crítico de arte y escritor Anatole Jakovsky le otorgara el premio especial en una competición mundial de arte naïve. Seguirán una serie de exposiciones y Nedelchev visitará Paris por primera vez, aunque las autoridades comunistas dejaron bien claro que aquella visita era un privilegio.
De la misma forma, la falta de acceso a galerías occidentales profesionales y al mercado del arte impedirán a Nedelchev seguir el camino profesional de cualquier otro artista occidental. Aun así, el trabajo de Nedelchev se introducirá en muchas colecciones privadas y corporativas, así como en las manos de muchos embajadores y políticos extranjeros, por ejemplo la Krupp Corporation (alemana), el Baba Research Centre (de la India) y el ex primer ministro chino Li Peng.
Radi Nedelchev es miembro del Sindicato de Artistas Búlgaros y también ostenta la Orden de Cirilo y Metodio de primera clase, el premio más alto en el arte y la cultura búlgaras.

Pintura mostrada: "Ranno-utro".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Radi_Nedelchev

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HENRI ROUSSEAU

Para este finde decidi poner a uno de los grandes representantes del llamado "Arte Naif" (un estilo de Arte que recuerda un poco a las ilustraciones que se encuentran en los libros de cuentos para niños aveces), el gran pintor frances Henri Rousseau. Con una obra un tanto simplista, tal vez porque el artista carecia de formacion en Pintura, pero con una gran poetica imaginativa, Rousseau fue y es admirado por multiples pintores y otros tantos genios. Ahora les dejo una biografia de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

(Henri Julien Félix Rousseau, llamado el Aduanero; Laval, Francia, 1844 - París, 1910) Pintor francés. Por sus humildes orígenes no pudo recibir una formación artística y no se dedicó a la pintura hasta 1893, por lo que se le considera autodidacta. Su peculiar pintura figurativa, que combina la ingenuidad formal con la sofisticación temática y compositiva, constituye un caso único en el marco de las experiencias innovadoras de su época. Después de unas primeras obras (paisajes y naturalezas muertas) en las que describe minuciosamente la realidad eliminando por completo la perspectiva, Henri Rousseau pasó a colocar sus figuras en un espacio bidimensional de ambiente mítico, como es el caso en La cabalgata de la desolación. Sin embargo, sus obras más interesantes son aquellas que representan un mundo exótico, lleno de visiones oníricas, a menudo ambientadas en la jungla. En esta línea se inscribe sobre todo el famoso cuadro La encantadora de serpientes (1907). Su obra ejerció una destacada influencia en la pintura naif.

La misteriosa poesía y la sencilla técnica de los cuadros de Henri Rousseau, ambientados con frecuencia en escenarios exóticos, hicieron de él el prototipo del llamado artista naif o ingenuista. En la década de 1890 su obra fue objeto de la atención de Degas y Gauguin, entre otros; más tarde sería celebrado por los cubistas como uno de los innovadores de la pintura europea de finales del siglo XIX.

De origen humilde, durante su juventud pasó cuatro años en el ejército, y en 1871 se estableció con su esposa en París como empleado de los arbitrios (oficinas fiscales) municipales, lo que daría origen a su sobrenombre. Apasionado por la pintura pese a su carencia de formación técnica, en 1886 presentó en el Salón de los Independientes su primer cuadro conocido, El carnaval de los animales, que pasó inadvertido y que mostraba ya su tendencia a la representación detallista (producto de su admiración por el arte académico) y al empleo de colores intensos y sutilmente modulados, que serían rasgos característicos de toda su obra.

En 1893 Rousseau, aunque ignorado o ridiculizado por los críticos, abandonó su trabajo para dedicarse plenamente a la pintura. Vivió de una pequeña pensión y de los retratos que pintaba a sus vecinos, y fundó una pequeña escuela donde enseñaba arte y música. Formalmente carecía de instrucción artística, pero con trabajo metódico y tenaz llegó a dominar la técnica del óleo. Admiraba el formalismo de la pintura academicista, pero su propia obra se caracteriza ante todo por la ingenuidad, el calor humano y la percepción poética.

Pronto obtuvo cierto reconocimiento en los círculos artísticos de vanguardia gracias a obras como La guerra (1894), alegoría de gran fuerza expresiva, y La gitana dormida (1897), cuyo paisaje desolado e irreal, interrumpido sólo por las figuras de una joven yacente y un león situado junto a ella, fue una de las primeras muestras de su capacidad para crear mundos de un onírico lirismo. Admirado por artistas de la talla de Pablo Picasso y el escritor Guillaume Apollinaire, que apreciaban su talante a un tiempo ingenuo y orgulloso, Rousseau creó desde 1905 una serie de extraordinarias escenas selváticas (El león hambriento, La encantadora de serpientes, El sueño de Yadivigha) cuya apelación a un perdido paraíso natural influyó no sólo en el arte naif, sino en numerosas corrientes imaginativas de la pintura posterior.

Dentro de la serie de pinturas sobre la jungla, La encantadora de serpientes (1907) es una excelente muestra del estilo de Rousseau, antirrealista y evocador de espacios y situaciones entresacados de la infancia y de los sueños. En esta tela, la figura principal se presenta oscurecida, lo que incrementa su misterio, tocando una flauta a cuyo son parecen acudir los animales, además de las serpientes mencionadas en el título. El marco que sirve de fondo a la escena se presenta ricamente ornado por una abundante y variada vegetación, más fabulosa que real. El cuadro fue pintado a partir de la narración de un viaje a la India que le hizo la madre del pintor Delaunay.

Tomada en su conjunto, los temas de la obra de Henri Rousseau van desde los barrios pequeño burgueses de París a las flores, pasando por imágenes de sueños simbólicos y paisajes de fantasía. Sus imaginarios animales y extrañas flores están inspirados en estudios hechos en los jardines botánicos y zoológicos, y posiblemente también por un viaje a México que realizó en su juventud, aunque actualmente se tiende a pensar que tal viaje no es más que una leyenda. Los colores de sus cuadros son intensos y elementales, y el dibujo está simplificado hasta el punto de recordar las producciones infantiles.

No obstante, este acercamiento al arte del pueblo está teñido de una paradójica sofisticación, y las composiciones (que tienen cierta similitud a veces con las de Marc Chagall, otro artista empeñado artificialmente en alcanzar una expresión de apariencia espontánea) poseen una vigorosa carga romántica. Uno de sus paisajes, El sueño, tuvo su interpretación poética en un poema del escritor y crítico Apollinaire, que al igual que Picasso y otros, apoyaron a Rousseau y lanzaron su obra.

El interés del público europeo por el arte primitivo de finales del siglo XIX allanó el camino para la pintura ineducada y poética de Rousseau. Su obra halló pleno reconocimiento ya antes de su muerte, y actualmente el Aduanero está considerado como uno de los principales representantes de la pintura naif y de las tendencias neoprimitivistas. Sus motivos alegóricos y simbólicos señalan también el camino del surrealismo.

 Pintura mostrada: "Bouquet of Flowers with an Ivy Branch".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rousseau.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JOHANNES VERMEER

Para este finde, siguiendo con las influencias de Dalí, decidi poner al increible artista holandes "Jan" Vermeer, uno de los mas grandes maestros de la Pintura a lo largo de la historia. Es considerado uno de los representantes mas destacados del Barroco. Ahora les dejo una breve biografia suya, esperando que les guste y se interesen en este gran pintor.

No conocemos mucho acerca de la biografía de Jan Vermeer, los datos son oscuros. Se sabe que es admitido como maestro del gremio de San Lucas en 1653. Los especialistas apuntan a su posible formación con Carel Fabritius.

     Vermeer recrea como nadie el ambiente de un país pequeño como es Holanda. Rechaza todo lo que implique grandeza, él es pintor de las pequeñas cosas. De pronto sus ojos, y después su pincel, son capaces de captar el encanto de un cabello, el brillo de un pendiente o la melancolía de una pequeña calle. Su amor hacia el detalle mínimo hace que se le compare con los primitivos flamencos.

     La atmósfera de sus interiores nos hablan del cuidado con que trata lo cotidiano. La luz que emplea, tanto en interiores como en exteriores, es de suprema sutileza.

 Pintura mostrada: "El geógrafo".

Fuentes: http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_vermeer.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JEAN-FRANCOIS MILLET

Para este finde decidi poner a uno de los pintores que influencio en la obra del gran artista español, Salvador Dalí, el pintor frances Millet, de gran inspiracion en el Realismo pictorico. Su obra "Angelus" fue utilizada por Dalí en varias de sus obras, rindiendole tributo por asi decirlo, ya que estaba muy obsesionado con dicha pintura. Ahora les dejo una biografia suya, esperando que les guste y se interesen en este gran artista.

(Gruchy, Francia, 1814-Barbizon, id., 1875) Pintor francés. Nació en una familia de campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar pintura en París, en el estudio de Delaroche. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema campesino, en las que se enaltecen la vida y las ocupaciones diarias de las gentes que trabajan en el campo.

La primera de estas creaciones, a las que está indisolublemente unido el nombre de Millet, fue El cribador, presentado en el Salón de 1848, al que más tarde siguieron Las espigadoras, El Ángelus (sin duda su obra más conocida) y El sembrador, cuadros todos ellos de figuras humanas definidas con vigor sobre un fondo de paisaje verídico. Con estas creaciones carentes de retórica e imbuidas de un profundo sentido de lo cotidiano, abrió el camino al realismo pictórico y dejó un modelo en el que se inspiró, entre otros, Gustave Courbet.

En 1849 se estableció en Barbizon, donde permaneció el resto de su vida; aunque propiamente no perteneció a la famosa escuela de pintores de Barbizon, sí encarnó, como ellos, el deseo de huir de la vida urbana. A partir de 1863, y bajo la influencia de su amigo Théodore Rousseau, se dedicó con mayor intensidad al paisaje (La primavera, El crepúsculo).

En 1859, El Ángelus le reportó la fama y la fortuna que no había logrado con sus obras anteriores, y ello le supuso salir por primera vez de la pobreza. Esta obra, sin embargo, lo encasilló como un pintor de efectismo sentimentalista, lo cual perjudicó su imagen hasta fechas recientes.

Con todo, pintores como Vincent van Gogh y Camille Pissarro se inspiraron en sus obras, y en Estados Unidos gozó de gran popularidad, al menos hasta mediados del siglo XX. El Museum of Fine Arts de Boston y el Musée d'Orsay de París conservan las mejores colecciones de pinturas suyas.

Pintura mostrada: "La récolte de pommes de terre".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/millet.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).