FRANK STELLA

Este finde, decidi por poner al otro gran exponente del Minimalismo, el estadounidense (cuando no pintor abstracto y de Estados Unidos...) Frank Stella. Con una obra abstracta que avanzo y paso por diferentes estilos dentro de la misma, siempre ha sido muy atrayente para todos aquellos que disfrutan de este tipo de Pintura. Ahora les dejo una biografia de el, espero que les guste su Arte y se interesen.

Malden, 1936) Pintor estadounidense. Estudió historia en la Universidad de Princeton y se trasladó luego a la ciudad de Nueva York. A partir de un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o de colores planos, montadas sobre bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X) dentro de la abstracción geométrica, con las que preanunciaba elminimal art de los años sesenta.

De esa etapa destacan una serie de pinturas monocromas de tonos oscuros (las llamadas pinturas negras o rayadas, 1958-1960) cuyo interior estaba recorrido por líneas paralelas al marco del bastidor. A través de ellas, Stella perseguía la síntesis entre la estructura interna y la estructura externa del cuadro, búsqueda que sentaría las bases del arte minimalista. Obras como A una profundidad de seis millas, (1960, Tate Gallery, Londres) o La abadía de Newstead (1960, Stedelijk Museum, Amsterdam) son paradigmáticas de una investigación en la que la pintura abandona el ilusionismo de la profundidad para avanzar en su definición como "cosa en sí", como puro objeto.

A mediados de la década de 1960 comenzó a utilizar la policromía en una nueva etapa que destacó por las formas curvilíneas geométricas entrecruzadas y los juegos de colores vívidos y armónicos. Destacan las llamadas Series transportadoras (1967-1968), formadas con semicírculos y círculos de gran tamaño. Posteriormente comenzó a realizar relieves en técnicas mixtas, de colores sensuales, que presentan formas más orgánicas. En los años setenta y ochenta, Stella abandonó la rigidez programática de sus inicios para decantarse hacia la creación de barrocas pinturas tridimensionales.

De entre sus obras pueden destacarse de Protractor(1967), Polish Village Series (1970-1973) y Brazilian Series (1974-1975). En los años ochenta realizó la serie Cones and pillars. En 1970 y 1987 se realizaron exposiciones retrospectivas de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En la década de los noventa mostró su obra en el MNCARS de Madrid (1994) y en las galerías neoyorkinas Leo Castelli (1995), Knoedler & Company y Sperone Westwater (1999).

Pintura mostrada: "Grancairo".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stella.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

Johann Sebastian Bach

Si no me equivoco, a finales del año pasado dije que subiria sobre Musica (aunque no me corresponda a mi en la pagina), ya que por algo el blog se llama "Colores y Corcheas". Si bien lo subo tarde respecto a la fecha del año, lo hago igual, y decidi en seguir con lo quedado (la Musica clasica), y con otra gran exponente, Bach. Les dejo una biografia resumida de el, esperando que se interesen en sus obras, ya que es un verdadero gran compositor musical.  

 Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 52 músicos de importancia, desde Veit Bach (?-1577) hasta Regine Susanna Bach (1742-1809), éste músico sobresale dentro de una genuina dinastía de artistas que se remonta hasta el siglo XVI.

 Johann Sebastian recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de su padre, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff.

 Johann Sebastian Bach viajó por Europa durante el siglo XVIII trabajando como organista y compositor del periodo barroco, aunque también tocaba el clavicémbalo y el violín, trabajo al servicio de la iglesia y de la realeza. Considerado

 Sin embargo, en Kothen, la residencia en Sajonia donde Bach alcanzó su más alto estatus social en su condición de maestro de capilla  de la corte, pudo vivir y crear sobre terreno fértil desde 1717  hasta 1723, muchas de sus obras instrumentales.

 Decidió  convertirse en el sucesor de Johann Kuhnau, fallecido en 1722, como chantre en la iglesia de santo Tomás de Leipzig, a pesar de las fastidiosas riñas con el limitado consejero de la ciudad de Leipzig, Bach permaneció allí hasta el final de su vida, y en este tiempo fue el responsable de la música eclesiástica y del collegium Musicum  de la universidad, que había sido fundado por su amigo Telemann, Johann Sebastian Bach muere en el año de 1750.

 Obra musical: https://www.youtube.com/watch?v=mQvBdfRoLaw

 Fuentes: http://musicaclasicavictor.blogspot.com.ar/2011/01/breve-biografia-de-johann-sebastian.html

 Atte.: LM (seccion de Pintura).

AD REINHARDT

Este fin de semana me tome el placer de poner a uno de los pintores mas influyentes de mi obra actual, Ad Reinhardt, el gran pintor estadounidense pionero del Minimalismo en la Pintura. Normalmente no saco biografias de Wikipedia, pero en este caso concidere que probablemente sea la mas interesante de las que vi, aun asi espero que si se interesan por su obra puedan leer mas sobre este gran artista. 

Adolph Dietmar Friedrich Reinhardt, llamado también "Ad" Reinhardt, (Buffalo (Nueva York),24 de diciembre de 1913; Nueva York, 30 de agosto de 1967), pintor y escritor, pionero del arte conceptual y del minimalismo, es comúnmente considerado como neodadaista. .

Reinhardt estudió historia del arte en la Universidad de Columbia, en donde trabó amistad con Robert Lax y Thomas Merton, con quienes desarrollaría conceptos similares de simplicidad en diferentes direcciones.

Reinhardt estudió pintura con Carl Holty y Francis Criss en la Escuela Americana de Artistas, y luego en la Academia Nacional de Diseño, bajo la tutela de Karl Anderson. En1936 comenzó a trabajar en el Proyecto de Arte Federal, y rápidamente se transformó en un miembro del grupo de Artistas Abstractos Americanos.

Tras completar sus estudios en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York, comenzó a dar clases en el Colegio de Brooklyn, y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco, posteriormente en la Universidad de Wyoming, en la universidad de Yale, y en el Colegio Hunter de Nueva York.

Crítico del expresionismo abstracto, las primeras obras de Reinhardt exhibidas evitaron representación, pero mostraron una estable progresión en el alejamiento de los objetos y las referencias externas. Su trabajo evolucionó desde composiciones con formas geométricas en los años 1940, a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo, todo azul, todo blanco) en los 1950.

Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas "negras" en la década de 1960, que en un principio parecían ser simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en realidad compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro. Entre otras evocaciones, estas pinturas pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea tan absoluto, incluso en el negro, un color que algunos espectadores ni siquiera consideran como tal.

Su literatura incluye interesantes comentarios acerca de su propio trabajo y el trabajo de sus contemporáneos. Su ingenio conciso, su enfoque aguzado, y abstracción, hacen su lectura interesante incluso para aquellos que nunca han visto sus pinturas. Lo mismo que estas últimas, sus escritos levantan controversia décadas después de su composición.

Pintura mostrada: "Abstract painting (Red)".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Ad_Reinhardt

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ROBERT DELAUNAY

Este fin de semana le toca a uno de los grandes pintores del Orfismo, Robert Delaunay, gran representante de la Pintura abstracta europea, que para algunos no tiene en reconocimiento que tanto merece (como tantos otros en este Arte). Les dejo una bastante resumida (bastante realmente) biografia de el, esperando que quieran saber mas por cuenta propia de este gran pintor.

París, 1885 - id., 1941) Pintor francés. Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo deGeorges Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista, basado en los principios del cubismo analítico.

Robert Delaunay investigó exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color: las obras que corresponden a su período de madurez se caracterizan por la utilización sistemática de formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de movimiento a sus composiciones, tal y como aprendió de la teoría de simultaneísmo cromático de Chevreul.

Desde 1912 abrazó la abstracción, sin abandonar jamás su línea de experimentación, y hacia 1932 se adhirió al grupo Abstracción-Creación. De entre sus pinturas destacan las series de Saint-Severin, de la torre Eiffel y de ventanas sobre la ciudad, de la que partió el concepto de orfismo desarrollado por Guillaume Apollinaire. Desde mediados de los años treinta participó en diversos proyectos de integración del arte pictórico en la arquitectura de gran envergadura.

Pintura mostrada: "Color explosion".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/delaunay.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura),

LOUIS WAIN

Este fin de semana, quise poner a un pintor que no solo no tengo idea de que etiqueta ponerle (estilo pictorico), sino que conoci de una forma un tanto peculiar. Mi hermano (que estudia Psicologia) hizo ya hace años un T.P. sobre este pintor que es popularmente conocido por su esquizofrenia, cuando me mostro el Power Point que hizo sencillamente me obsesione por un tiempo con sus pinturas. Algunos, lamentablemente, le dan mas interes y prioridad a su enfermedad psicologica que a su obra en si (que es magnifica). Les dejo su breve historia (no se si llamalra biografia en este caso), espero que les guste e indaguen mas en el Arte de este genio.

Louis Wain fue un pintor inglés de la época victoriana que logró una notable fama por 

sus dibujos de gatos antropomórficos. Wain empezó a dibujar felinos para entretener a su 

esposa, enferma de un cáncer que acabaría con su vida años después. Los gatos de Wein 

caminan, hablan, fuman y se ríen, y ocuparon tarjetas e ilustraciones de libros muchos 

años antes de que los mininos se convirtieran en mascotas caseras.

Pero los gatos de Wain empezaron a sufrir una mutación en torno a la 1910. Sus 

personajesdejaron de ser gatos que jugaban al golf para convertirse en criaturas 

inquietantes, de mirada salvaje y colores arrebatados. Por aquella época el 

comportamiento del artista empezó a cambiar, volviéndose errático y violento. En 1924

ingresó en una institución mental, enfermo de esquizofrenia. Según se especuló más tarde, la 

enfermedad pudo desencadenarse por la toxoplasmosis, una infección parasitaria 

contagiada por los gatos que tanto adoraba, la misma enfermedad que, por cierto, aniquiló 

al drogadizo Tommy en“Trainspotting”.

Los gatos de su última etapa, cuando estaba internado en un hospital en el que le permitían 

convivir con gatitos, ni siquiera representan gatos sino figuras fractales propias de 

visiones alucinatorias o lisérgicas. Los mininos juguetones de tan sólo unos años antes se 

convirtieron en criaturas intimidantes, una suerte de caleidoscópicas deidades 

hindúes, describe Richard Metzger en Dangerous Minds.

Louis Wain murió en 1939, días después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. En

vida tuvo como valedor al escritor H.G. Wells, mientras que en muerte ha sido recuperado 

por el cantante Nick Cave, el líder de las Malas Semillas, quien organizó una retrospectiva 

de los gatitos de Wain en 2009.

Pintura mostrada: "The fire of the mind agitates the atmosphere".

Fuentes: http://www.cookingideas.es/louis-wain-20110512.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

AMEDEO MODIGLIANI

Hoy quiero poner a un pintor que descubri hace muy poco, por medio de mi profesora de Pintura, se trata de Amedeo Modigliani, uno de esos tantos pintores que no considero que tengan una etiqueta puntual dentro de un estilo pictorico definido. En lo persona concidero que tiene cierta influencia de otro gran pintor italiano, Sandro Botticelli, entre otros pintores logicamente. Sus retratos realmente son algo increible, y espero que les guste a ustedes tambien, les dejo una biografia muy corta de este esplendido artista.  

Nació el 12 de julio de 1884 en Livorno. 

Fue el menor de cuatro hermanos -el primogénito, Emmanuel, llegó a ser un importante dirigente del Partido Socialista Italiano. Hijo de Flaminio Modigliani, comerciante de origen romano, y Eugenia Garsin, mujer progresista que ejerció una poderosa influencia en Amedeo. 

Se crió en el barrio judío. Con once años padece una grave pleuritis, de cuyas secuelas nunca se recuperó, y, dos años después, inicia sus clases de dibujo. 

Cursó estudios de arte en Florencia con Giovanni Fattori (1902) y en Venecia (1903). En el año 1906 atraído por la pintura de Toulouse-Lautrec, viaja a París, donde conoce a Pablo Picasso, Jean Cocteauy otros. Llevó una vida temeraria, que poco a poco le fue mermando la salud. 

Influido por el fauvismo y también por el escultor rumano Constantin Brancusi, sus primeras obras son esculturas inspiradas en las máscaras africanas. Su pintura se caracteriza por la simplificación, con líneas sinuosas, formas planas y proporciones alargadas. La mayor parte de su obra la integran retratos y estudios de la figura humana caracterizados por los rostros ovalados. 

En 1914, cuando estalla la guerra, intenta alistarse pero su mala salud se lo impide. Retrató a Paul Guillaume, marchante que le compra algunos cuadros; Beatrice Hastings, una poetisa sudafricana con la que mantuvo una tormentosa relación amorosa, y, sobre todo a Lépold Zborowski, poeta polaco que, desde 1917, será, a la vez, representante y amigo. 

Su primera exposición individual se realizada en la galería de Berthe Weill, y es clausurada por la policía a causa de unos desnudos calificados de inmorales que se mostraban en el escaparate de la sala. 

Conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. 

Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere el 24 de enero de 1920 de meningitis tubercolosa en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el octavo mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso. 

Amedeo Modigliani fue sepultado el 27 de enero en el cementerio de Père Lachaise en Paris; Jeanne Hébuterne fue enterrada a su lado. 

Pintura mostrada: "Ritratto di Jeanne Hébuterne con braccio dietro la testa".

Fuentes: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/84/Amedeo%20Modigliani

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALBERTO BURRI

Para este fin de semana me decidi por seguir la linea que dejo Antoni Tàpies, el gran artista abstracto europeo. Esta vez es turno de Burri, el mismisimo creador de la famosa obra del plastico rojo combusto, ademas de otras memorables obras de Arte. De gran influencia en nuestros tiempos, a nivel internacional. Ahora les dejo su breve biografia, y espero que les interese este artista a todos aquellos que disfrutan de la  Abstraccion.

Nació en Città di Castello, Umbría, Italia, el 12 de marzo de 1915.
Fue una figura de gran importancia en el arte abstracto que revolucionó el lenguaje artístico en el mundo de la segunda  postguerra.

Como aportación más importante hay que destacar el uso de materiales de todo tipo, simples y modestos, como tela de saco o alquitrán, creando de esta forma un nuevo sentido de la estética que posteriormente fue una de las principales fuentes de inspiración para el movimiento Arte Povera, su estilo fue denominado como se le denominó “polimaterialismo”.

Su carrera abarcó más de cuatro décadas, comenzando con pintura figurativa hasta llegar a sus piezas abstractas en la década de 1940.
Estudió la carrera de medicina entre 1934 y 1939, en la ciudad de Universidad de Perugia, trabajando como médico durante la II Guerra Mundial en el norte de África.

En 1943 fue hecho prisionero en Túnez e internado en un campo de de prisioneros de guerra en Hereford, Texas, Estados Unidos, donde comenzó a pintar.

Retomó la pintura, para dedicarse por completo a ella, tras su liberación y su regreso a Italia en 1946.
Expuso por primera vez en la Galería La Margherita en 1947, posteriormente en la Galería Malborough de Nueva York y en la Galería de France de París; estas primeras fueron obras figurativas de clara influencia, expresionista, como ejemplo de esta época se destacan ” Procesión del Cristo Muerto” de 1946 y “Plaza Alta” de 1947.

Sin embargo, abandonó pronto este estilo para comenzar a practicar el abstracto, de forma sutil y de un gran colorido.

De 1948 a 1950 su pintura se radicalizó, comenzando a utilizar los materiales que caracterizaron su obra, poniendo en cuestión el el carácter bidimensional de los cuadros. Realizó collages con entre otros: piedra pómez, alquitrán y arpillera, y una serie de lienzos tridimensionales.

A partir de 1950 comenzó a utilizar la madera quemada y láminas de hierro soldadas, como ejemplo: “Saqueo y Red” de 1954, “Saco” de 1954 e “Iron” de 1960.

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo “Origen”.
Viajó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960.

En la década de 1960 inició la manipulación de plástico quemado, que arrugaba, doblaba y quemaba con una antorcha. como muestra, “Red Plastic” y “combustión”.

Su arte en constante evolución experimental, de 1973 es su primer “Cretto”, que realizaba con arcilla que, al cocerse en caolín, formaban grietas en la superficie. La más importante de esta serie de obras es el “Grande Cretto Nero” que hizo para el “Jardín de esculturas de la Universidad” de California en Los Ángeles en 1976.

En 1972 se celebraron sendas retrospectivas en Turín y París.
Creó, desde 1979 hasta la década de 1990, una serie de obras integrando en ellas el material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro, blanco y oro.

En la década de 1980 comenzó un proyecto, inacabado, en todo un barrio destruido por un terremoto en la ciudad siciliana de Gibellina, el lugar fue cubierto de cemento blanco, al que llamó el “Grande Cretto” en 1968, sus habitantes fueron realojados en un pueblo de nueva construcción a 18 kilómetros, ejemplo monumental de land art.

Entre otros galardones recibió la Orden del Mérito italiana en 1944.
En ciudad natal, Città di Castello, le fue dedicado un museo con su nombre.
En 1981, se inauguró la colección Burri en la Fundación que lleva su nombre en el Palacio Albizzini en Perugia, Italia, legada por el artista a su ciudad natal.

Se pueden ver también obras suyas en otros importantes museos del mundo entre ellos: en Estados Unidos en el Museo de arte Fogg en Cambridge, Massachussetts; en Museo de arte Carnegie de Pittsburgh; en Galería de arte Albright-Knox en Búfalo, y en Europa en ate de Londres; en la GNAM de Roma y en el Museo Pompidou de París.
Murió en Niza, el 15 de febrero de 1995.

Pintura mostrada: "Bianco XV".

Fuentes: http://trianarts.com/alberto-burri-la-abstracccion-y-la-genialidad/

Atte.: LM (seccion de Pintura).