MARK RYDEN

Para este finde decidi poner a un artista estadounidense muy original llamado Mark Ryden. Su obra se etiqueta segun algunos en el llamado "Surrealismo pop", y las pinturas de este hombre se han vuelto cada vez mas reconocidas con el tiempo de la mano de algunos coleccionistas reconocidos por asi decirlo quizas. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen por su obra pictorica.

Mark Ryden nació el 20 de enero de 1963 en Oregon, Estados Unidos. Es hijos de Barbara y Keith Ryden, y se crío en el sur de California, en variadas ciudades, entre ellas Escondido. Estudió ilustración y se graduó del Art Center College of Design en Pasadena, en el año 1987. Su debut en una exposición solista fue con la saga “The meat show”, y se realizó en Pasadena en 1998.

Su trabajo
A mediados de los años 80, Ryden saltó a la fama o por lo menos llamó la atención de la gente que seguía revistas como Rolling Stone. Realizó la tapa del libro “Desperation” de Stephen King, algunos afiches para películas de Tim burton y el arte de tapa del disco “Dangerous” de Michael Jackson”, entre otros.
Entre sus clientes mas fieles figuran Robert DeNiro, Bjork, Christina Ricci, Chris Carter (creador de X-Files), Bridget Fonda y Leo DiCaprio. Retrató (aparte de a Ricci y a DiCaprio) a Jimmi Hendrix y Nirvana, además de a Barbie y los mismísimos Teletubbies. Estos clientes, llegan a pagar mas de 600 mil dólares por un cuadro que no suele superar el metro y hasta 20 mil por miniaturas de 10 centímetros.
En sus cuadros se ven mezclas de juguetes e insectos y son protagonizadas por niños y niñas de ojos saltones, con una mirada tan serena como inquietante. Por otro lado, un gran protagonista de sus óleos sobre tela es la carne. Así como escuchan y en todas sus formas. Mezcla de una forma increíble la perversidad con la sensualidad y la inocencia, todo al mismo tiempo.
Hoy en día, pinta desde cuadros enormes hasta pequeños trabajos en papel en blanco y negro (no por eso mucho mas económicos). En una de las últimas exposiciones, realizada en 2007, su obra “The Tree of Life” se vendió por 800 mil dólares al Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles.

Curiosidades
- El arte de Ryden se incluyó en el juego de aventuras “9: The Last Resort”, publicado en 1995.
- Su obra aparece en la película de Christina Ricci “Penelope”.
- Si no fuera artista, Ryden aseguró que se dedicaría a las matemáticas por que “ama los números”.
- No mira televisión, lee al Dalai Lama y a Stephen Howking.
- Se rumorea que solo viste de estricto negro y que hasta comería solo comida negra (seguramente solo rumores típicos no? jaja).

Pintura mostrada: "The ringmaster".

Fuentes: http://www.taringa.net/posts/arte/9170361/Mark-Ryden.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

EL LISSITZKY

Para este finde decidi poner a un pintor de un pais que ya no existe (la ex URSS, actual Rusia y otros paises), hablo de El Lissitszky. Influyente en el Constructivismo ruso, fue uno de los grandes artistas de este movimiento. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra.

El Lissitzky (Lazar Markovich Lissitzky) (n. Smolensko, Rusia, 23 de noviembre de 1890 - † Moscú, 30 de diciembre de 1941). Artista ruso.

Fue pintor, diseñador gráfico y fotógrafo. Influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. Uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo.

En el año 1919, Marc Chagall, director de la Escuela de Arte en Vitebsk, invitó a Lisstinzky a unirse al cuerpo de profesores, en donde conoció a Kasimir Malevich quien fue una importante influencia para Lissitzky. Mediante diseños experimentales, desarrolló un estilo de pintura que denomino PROUNS (abreviatura de “proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo”). PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico. Lissitzky llamaba PROUNS a “un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura”. esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura.

Desde 1922 hasta 1931, El Lissitzky se trasladó a Europa occidental para difundir las ideas de la vanguardia rusa. En Berlín, conoció a Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl, y desde entonces se convirtió en un personaje influyente del movimiento abstraccionista.

En sus últimos años de vida, se planteó la necesidad de realizar una misión social, por lo cual se comprometió personalmente con la Unión Soviética a destinar tu potencial artístico a la propaganda del estado sovietico hasta el día de su muerte. (1941).

Pintura mostrada: "Tribuna de Lenin".

Fuentes: http://www.arquba.com/arquitectos/el-lissitzky-biografia-y-obras/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

KATSUSHIKA HOKUSAI

Para este finde decidi poner al tal vez pintor mas reconocido de Asia, hablo del artista japones Katsushika Hokusai. Con una obra muy numerosa y un estilo reconocible, fue muy influyente incluso en la Pintura occidental. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Katsushika Hokusai fue un polifacético y productivo artista (pintor, dibujante y grabador).
Nació sobre 1760 en Edo (actual Tokyo). Sobre los 5 o 6 años ya empezó a dibujar y desarrollar su pasión sobre la pintura. Hokusai quedó huérfano siendo muy pequeño, por lo que fue adoptado por un prestigioso artesano que realizaba espejos para la corte del Shogun. De joven, Hokusai trabajó como vendedor en una librería y a los 15 años entró como aprendiz de grabador y xilógrafo en un taller. Con 18 años, se convirtió en el discípulo y aprendiz de Shunsho, el maestro de la escuela ukiyo-e. Aprendió la técnica del grabado con planchas de madera, especializándose en el retrato de actores, y un año después empezó a publicar sus primeros trabajos con una técnica ya dominada. También trabajó con otros pintores como Hiroyuki y Torin y estudió pintura europea.
Sobre los 20 años se casó, y la vida familiar le pudo influenciar en sus diseños en los que aparecen actores y mujeres en paisajes históricos y jardines utilizando la técnica uki-e (técnica occidental de la perspectiva), e impresiones de niños. Sus textos y libros de ilustraciones dieron la vuelta a temas históricos y didácticos; y su trabajo en el género Surimoro durante toda la década siguiente marcó uno de los puntos culminantes de su carrera.
Al comienzo de la década de 1790 sufrió la muerte de Shunso y su esposa, quedándose solo con tres hijos. En 1797 volvió a contraer matrimonio y cambió su nombre al ahora conocido, Hokusai. Este momento marcó el inicio de su apogeo artístico. En este periodo utilizó toda la gama del arte ukiyo-e: publicó una serie de importantes retratos femeninos, libros ilustrados, ilustraciones de antologías de versos, libros eróticos, libros a mano, bocetos, surimonos y tarjetas.
Más tarde, profundizó en la representación de paisajes y escenas históricas, donde la figura humana desempeña un papel secundario. Y finalmente introdujo en su estilo la técnica de la perspectiva y el colorido occidental.
Empezó el siglo haciendo ilustraciones del yomihon y novelas históricas. A raíz de esto, su estilo comenzó a sufrir cambios importantes. Su trabajo, cada vez con mayor alcance, perdió delicadeza y Hokusai tendió a poner más énfasis en temas clásicos tradicionales, especialmente la representación de samuráis, guerreros o temas chinos, y a alejarse del mundo del ukiyo-e.
Por esa época también empezó a estudiar el arte de la ilustración de novelas, y a partir de 1814 empezó a editar libros de dibujos “manga”, reproduciendo la vida y actividad del pueblo en sus tareas cotidianas, además de series de escenas mitológicas, de animales, de plantas y paisajes. Dos años antes, su hijo, el cual era una buena fuente de sustento, murió, por lo que es posible que por razones económicas Hokusai se centrara en la ilustración de libros y copias de grabados diseñados para artistas aficionados.
Como artista, contribuyó a dar una nueva dimensión al ukiyo-e, convirtiendo al paisaje y a la pintura de flores y pájaros en géneros autónomos y reconocidos. Supo combinar colores, perspectivas y detalles, representando la naturaleza a veces con un realismo radical. Durante toda su carrera artística tocó temas muy diversos, pasando de burdeles a imágenes religiosas budistas y de plantas a grandes paisajes. Además de caricaturas satíricas, el diseño de arquitecturas religiosas, paisajes en miniatura y panoramas. Fue un gran innovador, ya que llegó a utilizar como instrumentos pictóricos huevos, botellas y los dedos. Se calcula que su obra abarca unas 30.000 estampas e ilustraciones para casi 500 libros. Su serie más famosa es las “36 vistas del Fuji”, que ha sido considerada por la crítica como la obra cumbre de la pintura paisajística japonesa. Desde mediados del siglo sus grabados llegaron a París, donde se coleccionaban con gran entusiasmo y tuvieron mucha influencia sobre los impresionistas como Monet, Degas y Toulouse-Lautrec.

Pintura mostrada: "Irises".

Fuentes: http://japonismo-estilo.blogspot.com.ar/2010/01/katsushika-hokusai.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

EMILE CHAMBON

Para este finde decidi poner a un pintor quizas no tan conocido, del siglo XX y suizo, llamado Emile Chambon. Con una obra muy personal, logro cierto reconocimiento por sus tierras y alrededores. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Primeros años (1905-1928)

Emile fue el primer hijo de Émile-Joseph Chambon y de Joséphine, con apellido de soltera, Coppier. Nació el 10 de enero de 1904 en Ginebra. Tres años después del nacimiento de Emile, la madre dio a luz a una niña, Julia Mathilde Chambon, que durante su vida prestará ayuda a su hermano. En otoño de 1921, entró en la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra, no sin dificultad, ya que la dirección de la universidad consideró que su familia no es lo bastante acomodada como para que Emile estudiara su carrera de artista. Una primera beca federal de estudios le fue otorgada en 1921 y le permitió efectuar un viaje con estancia en París donde fue acompañado por su padre. Este viaje le permitió familiarizarse con los pintores cubistas. Entre 1925 a 1928, trabajó cerca del pintor Jean-Louis Gampert, amigo de Roger de La Fresnaye; le prestó asistencia en su taller, como también para la realización de los decorados de la iglesia de Corsier, una comuna ubicada en el cantón de Ginebra.

Reconocimiento (1928-1950)

En 1928 obtuvo una segunda beca federal, permitiendo así volver otra vez a París permaneciendo, aproximadamente, diez semanas. Allí descubrió el Museo del Louvre, donde realizó gran cantidad de copias, principalmente de las obras de artistas como Rembrandt, Rubens y Géricault. También visitó el Museo Guimet, el Museo del Petit Palais y los grandes monumentos de París. Debido a su débil economía, se vio obligado a volver a Ginebra antes de tiempo, dejando en París a sus amigos Chauvet y Van Berchem quienes habían viajado con él.

Madurez (1950-1979)

En 1961 conoce en Ginebra, por el rodeo de uno de sus amigos comunes Jean-Louis Mathieu, del escritor Louise de Vilmorin que en seguida admira el trabajo del artista y le cobra cariño. El 10 de mayo de 1962, se coge en París el inauguración de una gran exposición Chambon a la galería Motte a instigación de Louise de Vilmorin. Es a ella que se debe por otra parte un prefacio elogioso en el catálogo de presentación de las obras. El año 1965 dedica al pintor y su colección ya que participa en la exposición " Künstler, Sammler " en Aargauer Kunsthaus, así como en una nueva presentación colectiva de obras de artistas suizos titulada Pittura contemporanea svizzera a la quinta Olmo sobre las orillas del lago de Côme. En 1966, una última gran retrospectiva es organizada en el Museo Rath. Sus lienzos - posturas comparado con sus colecciones - tienen la aprobación de todos de nuevo y las críticas de arte alaban la continuidad en su estilo, cualificado de refinado y de distinguido.

Posteridad (1979-1993)

En los últimos años de su vida, Chambon esencialmente sueña con pérennisation de su obra. En febrero de 1980 encuentra al director del futuro museo de Carouge, con vistas a una donación que le desea hacerle a este último. Dos años más tarde el pintor regala en el museo de ocho grandes cuadros obras. En el ínterin, en octubre de 1981, cede una parte importante de sus colecciones - cerca de ochocientas piezas de arte africano y de Oceanía - el Museo de etnorgafía de Ginebra.
La Fundación Emile Chambon oficialmente ve la luz, el 4 de septiembre de 1995, dos años después de la defunción de Emile Chambon.

Pintura mostrada: "Las siete des bonnes".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Emile_Chambon

Atte.: LM (seccion de Pintura).

DUCCIO

Para este finde (primer finde del año 2016) decidi poner a uno de los grandes pintores del Arte gotico, hablo del italiano Duccio. Su obra fue de muchisima influencia en gran parte de Europa en su tiempo, y perduro en el tiempo. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra.

(Siena, actual Italia, h. 1260-id., h. 1318-1319) Pintor italiano. Durante los siglos XIII y XIV, Siena rivalizó con Florencia por ser el centro principal y más dinámico del arte italiano. Y del mismo modo que Giotto revolucionó por esas fechas el arte florentino, Duccio introdujo aires nuevos en el arte sienés, del que fue la figura más sobresaliente.

De su vida sólo se sabe que fue multado en varias ocasiones por delitos menores. Su creación artística no está mejor documentada que su trayectoria vital, pero consta con certeza su autoría de una obra capital, que define sus cualidades plásticas y su estilo: Maestà, encargada para la catedral de Siena en 1308 e instalada con gran fasto en su lugar de destino en 1311. 

Se trata de una tabla de considerables dimensiones (213 X 396 cm) pintada por ambos lados. La parte frontal está ocupada por una Virgen con el Niño en majestad, rodeada de sendos grupos de ángeles y santos; en la base había una predela, y un friso remataba la zona superior. En la parte posterior figuran veintiséis episodios de la Pasión de Cristo.

En la actualidad, la obra se conserva en su mayor parte en la catedral de Siena, pero muchos paneles del friso han desaparecido y algunos, en particular de la predela, se encuentran en museos de prestigio, como la National Gallery de Londres. Aunque la obra denota todavía evidentes influencias del arte bizantino, supone un verdadero cambio de estilo.

No está documentada con plena seguridad ninguna otra obra del artista, pero se le atribuye la Virgen de Rucellai y también algunos retablos, aunque no existe ninguna prueba de que pintara al fresco como la otra gran figura de su tiempo, Giotto. Ejerció una influencia esencial en la escuela sienesa, donde tuvo discípulos de la talla de Simone Martini, y los ecos de su arte llegaron también a otros países, en particular Francia.

Pintura mostrada: "The raising of Lazarus".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/duccio.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).