AMEDEO MODIGLIANI

Hoy quiero poner a un pintor que descubri hace muy poco, por medio de mi profesora de Pintura, se trata de Amedeo Modigliani, uno de esos tantos pintores que no considero que tengan una etiqueta puntual dentro de un estilo pictorico definido. En lo persona concidero que tiene cierta influencia de otro gran pintor italiano, Sandro Botticelli, entre otros pintores logicamente. Sus retratos realmente son algo increible, y espero que les guste a ustedes tambien, les dejo una biografia muy corta de este esplendido artista.  

Nació el 12 de julio de 1884 en Livorno. 

Fue el menor de cuatro hermanos -el primogénito, Emmanuel, llegó a ser un importante dirigente del Partido Socialista Italiano. Hijo de Flaminio Modigliani, comerciante de origen romano, y Eugenia Garsin, mujer progresista que ejerció una poderosa influencia en Amedeo. 

Se crió en el barrio judío. Con once años padece una grave pleuritis, de cuyas secuelas nunca se recuperó, y, dos años después, inicia sus clases de dibujo. 

Cursó estudios de arte en Florencia con Giovanni Fattori (1902) y en Venecia (1903). En el año 1906 atraído por la pintura de Toulouse-Lautrec, viaja a París, donde conoce a Pablo Picasso, Jean Cocteauy otros. Llevó una vida temeraria, que poco a poco le fue mermando la salud. 

Influido por el fauvismo y también por el escultor rumano Constantin Brancusi, sus primeras obras son esculturas inspiradas en las máscaras africanas. Su pintura se caracteriza por la simplificación, con líneas sinuosas, formas planas y proporciones alargadas. La mayor parte de su obra la integran retratos y estudios de la figura humana caracterizados por los rostros ovalados. 

En 1914, cuando estalla la guerra, intenta alistarse pero su mala salud se lo impide. Retrató a Paul Guillaume, marchante que le compra algunos cuadros; Beatrice Hastings, una poetisa sudafricana con la que mantuvo una tormentosa relación amorosa, y, sobre todo a Lépold Zborowski, poeta polaco que, desde 1917, será, a la vez, representante y amigo. 

Su primera exposición individual se realizada en la galería de Berthe Weill, y es clausurada por la policía a causa de unos desnudos calificados de inmorales que se mostraban en el escaparate de la sala. 

Conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. 

Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere el 24 de enero de 1920 de meningitis tubercolosa en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el octavo mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso. 

Amedeo Modigliani fue sepultado el 27 de enero en el cementerio de Père Lachaise en Paris; Jeanne Hébuterne fue enterrada a su lado. 

Pintura mostrada: "Ritratto di Jeanne Hébuterne con braccio dietro la testa".

Fuentes: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/84/Amedeo%20Modigliani

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALBERTO BURRI

Para este fin de semana me decidi por seguir la linea que dejo Antoni Tàpies, el gran artista abstracto europeo. Esta vez es turno de Burri, el mismisimo creador de la famosa obra del plastico rojo combusto, ademas de otras memorables obras de Arte. De gran influencia en nuestros tiempos, a nivel internacional. Ahora les dejo su breve biografia, y espero que les interese este artista a todos aquellos que disfrutan de la  Abstraccion.

Nació en Città di Castello, Umbría, Italia, el 12 de marzo de 1915.
Fue una figura de gran importancia en el arte abstracto que revolucionó el lenguaje artístico en el mundo de la segunda  postguerra.

Como aportación más importante hay que destacar el uso de materiales de todo tipo, simples y modestos, como tela de saco o alquitrán, creando de esta forma un nuevo sentido de la estética que posteriormente fue una de las principales fuentes de inspiración para el movimiento Arte Povera, su estilo fue denominado como se le denominó “polimaterialismo”.

Su carrera abarcó más de cuatro décadas, comenzando con pintura figurativa hasta llegar a sus piezas abstractas en la década de 1940.
Estudió la carrera de medicina entre 1934 y 1939, en la ciudad de Universidad de Perugia, trabajando como médico durante la II Guerra Mundial en el norte de África.

En 1943 fue hecho prisionero en Túnez e internado en un campo de de prisioneros de guerra en Hereford, Texas, Estados Unidos, donde comenzó a pintar.

Retomó la pintura, para dedicarse por completo a ella, tras su liberación y su regreso a Italia en 1946.
Expuso por primera vez en la Galería La Margherita en 1947, posteriormente en la Galería Malborough de Nueva York y en la Galería de France de París; estas primeras fueron obras figurativas de clara influencia, expresionista, como ejemplo de esta época se destacan ” Procesión del Cristo Muerto” de 1946 y “Plaza Alta” de 1947.

Sin embargo, abandonó pronto este estilo para comenzar a practicar el abstracto, de forma sutil y de un gran colorido.

De 1948 a 1950 su pintura se radicalizó, comenzando a utilizar los materiales que caracterizaron su obra, poniendo en cuestión el el carácter bidimensional de los cuadros. Realizó collages con entre otros: piedra pómez, alquitrán y arpillera, y una serie de lienzos tridimensionales.

A partir de 1950 comenzó a utilizar la madera quemada y láminas de hierro soldadas, como ejemplo: “Saqueo y Red” de 1954, “Saco” de 1954 e “Iron” de 1960.

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo “Origen”.
Viajó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960.

En la década de 1960 inició la manipulación de plástico quemado, que arrugaba, doblaba y quemaba con una antorcha. como muestra, “Red Plastic” y “combustión”.

Su arte en constante evolución experimental, de 1973 es su primer “Cretto”, que realizaba con arcilla que, al cocerse en caolín, formaban grietas en la superficie. La más importante de esta serie de obras es el “Grande Cretto Nero” que hizo para el “Jardín de esculturas de la Universidad” de California en Los Ángeles en 1976.

En 1972 se celebraron sendas retrospectivas en Turín y París.
Creó, desde 1979 hasta la década de 1990, una serie de obras integrando en ellas el material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro, blanco y oro.

En la década de 1980 comenzó un proyecto, inacabado, en todo un barrio destruido por un terremoto en la ciudad siciliana de Gibellina, el lugar fue cubierto de cemento blanco, al que llamó el “Grande Cretto” en 1968, sus habitantes fueron realojados en un pueblo de nueva construcción a 18 kilómetros, ejemplo monumental de land art.

Entre otros galardones recibió la Orden del Mérito italiana en 1944.
En ciudad natal, Città di Castello, le fue dedicado un museo con su nombre.
En 1981, se inauguró la colección Burri en la Fundación que lleva su nombre en el Palacio Albizzini en Perugia, Italia, legada por el artista a su ciudad natal.

Se pueden ver también obras suyas en otros importantes museos del mundo entre ellos: en Estados Unidos en el Museo de arte Fogg en Cambridge, Massachussetts; en Museo de arte Carnegie de Pittsburgh; en Galería de arte Albright-Knox en Búfalo, y en Europa en ate de Londres; en la GNAM de Roma y en el Museo Pompidou de París.
Murió en Niza, el 15 de febrero de 1995.

Pintura mostrada: "Bianco XV".

Fuentes: http://trianarts.com/alberto-burri-la-abstracccion-y-la-genialidad/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ANTONI TAPIES

Este fin de semana decidi poner algo de Pintura materica, y uno de sus tantos grandes representantes es el español (cuando no, España teniendo grandes pintores) Antoni Tàpies, simbolo de la Pintura abstracta europea. En un documental que vi sobre el,
 vi como mezclaba materiales para pintar y realizar sus magnificas obras de Arte. Ahora les 
dejo una biografia breve de el, espero queles guste y se interesen en este pintor de gran 
jerarquia.

Antoni Tàpies nace en 1923 en Barcelona (España). Estudia al mismo tiempo derecho y dibujo en la Academia Valls (1943). El levantamiento militar conducido por el General Franco desde Marruecos se propaga a toda España y conduce a la Guerra Civil. Antoni Tapiès oponente del interior al dictador resulta definitivamente marcado por esta guerra atroz. 

En 1948 es cofundador del grupo ”Dau al Set” y de la revista del mismo nombre. Conoce a Joan Miró. Tras un periodo de producción de obras surrealistas, Tapiès se interesa a la filosofía y al arte oriental, especialmente a la caligrafía. Tàpies transmuta los materiales más diversos, a menudo los más pobres, en signos pictóricos. 

Su primera exposición personal se organiza en 1950. El artista incluye colores y fósiles en bloques empastados con pegamento, arena, y yeso que se harán “muros que atestiguarán del martirio de nuestro pueblo”. Tapiès utiliza papeles periódicos, trozos de cuerdas para unos collage de significado social provocador. 

En 1951, en París, encuentra a Braque, a Picasso, descubre el arte informal con Dubuffet y Fautrier y los escritos de Michel Tapié. El artista se orienta hacia composiciones más figurativas hacia el final de los años 60. La cruz es un signo recurrente en su obra, que sea la obra pintada o la obra grafica, obras numerosas. que va elaborando paralelamente. Sus composiciones laceradas y arañadas, siguen expresando una postura crítica. Las improntas y huellas revelan una meditación interior.

A partir del principio de los años 80, Tapiès realiza “instalaciones” y se dedica al arte de la cerámica y del mosaico. A partir de 1962 unos grandes museos organizan retrospectivas de su obra (Hanovre en 1962, Viena en 1968, Museo de Arte Moderno de Paris en 1973, retrospectiva itinerante en Estados Unidos en 1988…). 

Antoni Tapiès es el autor de varias obras escritas de reflexiones acerca del arte: “Práctica del arte” (1970), “El Arte contra la Estética” (1974). Antoni Tapiès vivía y trabajaba en Barcelona, ciudad en la cual se sitúa su Fundación, creada en 1984. El artista murió el 6 de febrero de 2012, tenía 88 años.

Pintura mostrada: "Sabata".

Fuentes: http://www.mchampetier.com/biografia-Antoni-Tapies.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

GIUSEPPE ARCIMBOLDO

Para este domingo, me decidi por poner a uno de los pintores cuyo estilo mas me sorprendio desde la primer obra que vi, creando rostros a partir de frutas, peces, flores, entre otras cosas, estoy hablando del gran pintor italiano Giuseppe Arcimboldo, quien influencio en gran parte al Surrealismo, y otros pintores de sus tiempos. Mi pintura favorita de el es "El bibliotecario", que hizo en baso a libros. Les dejo una biografia resumida de el, y espero que la disfruten y se entusiasmen con el artista mostrado aqui.

Giuseppe Arcimboldo nació, al parecer, en Milán en 1527. Su padre, Biagio Arcimboldo, trabajaba como pintor en la catedral de Milán y el hijo pronto aprendió el oficio paterno: con solo 22 años ya debía de realizar diversos trabajos para la catedral.

Ya debía de ser un artista reconocido cuando en 1562 viajó a Praga invitado por el emperador Fernando I para convertirse en uno de los retratistas de la corte. Sin embargo era tal su ingenio que no tardó en sobrepasar las funciones de su profesión para embarcarse en todo tipo de investigaciones, organizar eventos y aconsejar al emperador en materia de artes e inventivas.

Por petición de la casa imperial, Arcimboldo realizó varias series de cuadros (variantes sobre un mismo tema) de donde combinaba las cosas más diversas para configurar rostros y siluetas. Hay interpretaciones para todos los gustos sobre estos curiosos collages. Algunos, por ejemplo, ven en la selección de determinados animales símbolos y significados relacionados con el emperador.

En 1587 abandonó Praga, para gran desgracia del emperador Rodolfo II que le tenía en muy alta estima, y volvió a Milán donde moriría años después en 1593.

Pintura mostrada: "Otoño".

Fuentes: http://www.pixelteca.com/poramoralarte/arcimboldo/arcimboldo.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

THEO VAN DOESBURG

Siguiendo la linea del Neoplaticismo, este finde pondre a su segundo mas grande exponente (supongo yo), Van Doesburg, autor del reconocido libro "Principios del nuevo Arte Plastico y otros escritos", ademas de ser un gran revolucionario dentro del mismo estilo pictorico, y un gran personaje muy influyente  en el grupo "Abstraction-Creation". Les dejo su biografia corta, y espero que les guste tanto como a mi.

(Seudónimo de Christian Emil Marie Küpper; Utrecht, 1883 - Davos, 1931) Arquitecto, pintor y teórico de arte holandés, uno de los creadores del neoplasticismo. Tras unos inicios figurativos según la forma de los fauves, se centró, influido por Kandinsky, en una forma de abstracción geométrica. Amigo de Mondrian desde 1915, fundó junto a éste el grupo y la revista De Stijl (1917). Colaboró también en proyectos arquitectónicos y escribió textos teóricos (Principios fundamentales de las nuevas artes plásticas, 1925), además de llevar a cabo un importante papel propagandístico y de difusión de los principales centros artísticos. Su posterior evolución hizo de él un punto de referencia clave para los grupos abstractos de los años treinta; a él se debe el proyecto del grupo Abstracción-Creación.

En 1918, el mismo año en que Tristán Tzara escribió el Manifiesto Dadá, Theo Van Doesburg y otros artistas y pintores neerlandeses, como Piet Mondrian, publicaban el Manifiesto del neoplasticismo, totalmente antagónico al dadaísta. Si los dadaístas querían destruir el arte, los neerlandeses querían su renovación total. Frente a la intuición, la irracionalidad y el azar, opusieron la razón ordenadora, capaz de crear un estilo de formas simples y claras, caracterizado por el uso de colores primarios y aplicable a todas las manifestaciones plásticas. El empeño de Van Doesburg se concretó en la defensa de una utopía a la vez racionalista y humanista, plasmada sobre todo en sus proyectos de decoración de interiores, en los que se integraban pintura y arquitectura.

En 1924 publicó en la Bauhaus Principios de Arte Neoplástico y dio diversas conferencias en Europa. En ese mismo año se rebeló contra la insistencia programática de Mondrian en la utilización exclusivamente de líneas verticales y horizontales, realizando su primera Contracomposición, en la que introduce las diagonales y da comienzo a una nueva dirección del neoplasticismo, que se conoce como elementarismo. Mondrian consideraría herética esta actitud de Van Doesburg e inició su distanciamiento del grupo De Stijl. A principios de los años treinta se convirtió en la fuerza impulsora del nuevo grupo abstracto parisino llamado Abstracción-Creación.

Theo Van Doesburg llevó a cabo proyectos de decoración de interiores, generalmente en colaboración con otros artistas, en los que las continuidades o rupturas cromáticas articulan los espacios y los dinamizan integrando una unidad color-arquitectura visualmente indisociable. Junto a Van Eesteren hizo varios proyectos, entre los que destacan el del vestíbulo de la Universidad de Ámsterdam (1923) y la decoración para el Café L'Aubette de Estrasburgo (1928), realizada con la colaboración de Hans Arp y Sophie Täuber, para el que concibió la articulación de paredes y techos a través de grandes bajorrelieves. En ellos el juego de diagonales promovía enlaces entre las distintas superficies y establecía una continuidad entre los diversos espacios de las salas.

Pintura mostrada: "Contra-composicion XIV".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/doesburg.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

PIET MONDRIAN

Para esta semana, quiero poner a un pintor que desde que vi su obra por primera vez y hasta el dia de la fecha sigo disfrutando al maximo, Piet Mondrian, el neerlandes creador del Neoplasticismo, uno de los movimientos pictoricos que fundaron y dieron origen a la Abstraccion (junto con Kandinsky, entre otros, logicamente). Les dejo una biografia corta, esperando que les guste y se interesen en su arte.

Nació el 7 de marzo de 1872 en Amersfoort (Holanda). 

Fue el segundo hijo de cinco de la familia del maestro Pieter Cornelis Mondriaan y de su esposa Johanna Christian Kok. 

Maestro de educación primaria, en 1892, inicia estudios de pintura en la Rijksakademie voor Beeldende Kunst en Amsterdan, posteriormente ingresa a la "Gereformeerde Kerk". Recibió el premio Willink-van-Collen en el año 1906. Tres años después, el Stedelijk Museum de Amsterdam hace una exposición de sus obras y las de Cornelis Spoor y Jan Sluyters. 

Hasta 1907 sus trabajos fueron paisajes tratados en grises y verdes. En 1908, influenciado por el pintor neerlandés Jan Toorop, experimenta con colores más brillantes. En 1911 partió a París, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). 

Se internó en la abstracción y llega a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En 1917 con el pintor Theo van Doesburg funda la revista De Stijl, en la que desarrolló elneoplasticismo. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a loscolores primarios eliminando toda línea curva y pintando únicamente líneas y ángulos rectos. En 1930 se unió al grupo Cercle et carré y en 1931 a Abstraction-Création. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental. 

En 1940 se trasladó a Nueva York. Piet Mondrian falleció el 1 de febrero de 1944 en esta ciudad víctima de una pulmonía, dejando inconclusa su última obra: Victory Boogie-Woogie.

Pintura mostrada: "Broadway boogie woogie".

Fuentes: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/85/Piet%20Mondrian

Atte.: LM (seccion de Pintura).

GEORG BASELITZ

Retomando en lo que me quede la semana anterior a la pasada, decidi poner la obra de quien algunos consideran el padre del Neoexpresionismo (otros dicen que esto es erroneo), el artista aleman Georg Baselirz, quien es un pintor muy importante en el Arte contemporaneo, siendo de gran influencia en la Pintura de la segunda mitad del siglo pasado, tanto en Europa como en Estados Unidos. Les dejo una biografia de el, y espero que se interesen en este peculiar hombre tan representativo en el Arte de nuestros tiempos.

Escultor, grabador y pintor alemán, comienza a pintar a los catorce años, influido por las tendencias del futurismo, pero también se deja influenciar por el expresionismo y el informalismo. Se ha convertido en el máximo exponente del neo-expresionismo, pero su personalidad artística es mucho más compleja. 
Su obra puede ser vista, de hecho, como la típica voluntad de confrontación con la pintura, fuera de todas las categorías formales y de los valores expresivos tradicionales, tomando como base la intención de superar la irreducible contraposición de la pintura figurativa y la abstracta.

Sus obras más conocidas representan personajes e imágenes pintadas boca abajo, como si al cuadro se le hubiera dado la vuelta.

Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental.

Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier.

Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín.

Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas.

En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo.

Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico.

También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera.

Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

Pintura mostrada: "Comedor de naranja".

Fuentes: http://www.picassomio.es/discover/artista_contemporaneo/baselitz_georg.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).