KOLOMAN MOSER

Para este finde decidi poner a uno de los grandes artistas que influenciaron fuera de la propia disciplina de la Pintura, hablo del austriaco "Kolo" Moser. Influyo principalmente en el Arte Grafico, aunque tambien influyo en las llamadas "artes decorativas" o "artes menores". Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica en general, tanto pictorica como en otras artes.

Koloman Moser (Kolo Moser) (Viena, 30 de marzo de 1868 - ibídem, 18 de octubre de 1918), fue un artista austriaco que ejerció considerable influencia en el arte gráfico de principios del siglo XX, además de ser unos de los más destacados artistas de la Secesión de Viena Asimismo fue cofundador de los Talleres de Viena¹ conocidos como Wiener Werkstätte. A lo largo de su vida, Moser diseñó una amplia gama de trabajos artísticos: libros y gráficos desde estampillas a viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas, vidrio soplado, vajilla, platería, joyería y mobiliario, entre otros. Estudió en la Academia de Viena y la Escuela de Artes Aplicadas (Kunstgewerbeschule) donde también dio clases a partir de 1899. Sus diseños para arquitectura, mobiliario, joyería, gráfica y tapicería ayudaron a caracterizar los trabajos de su era. Moser trajo las líneas límpias y los motivos repetidos del arte y la arquitectura grecorromano clásico en respuesta a la decadencia de tipo barroca do los alrededores de la Viena de cambio de siglo.
Entre 1901 y 1902 publicó un catálogo titulado “Die Quelle” (El origen) de elegantes diseños gráficos para cosas como tapicería, tejidos y empapelados.
En 1903 Moser, junto a su colega Joseff Hoffmann, se convirtió en fundador de la Wiener Werkstätte, cuyos estudios y artesanos produjeron variados artículos del hogar diseñados de manera estética y funcional, incluyendo cristalería, platería y textiles.
En 1904 diseñó el arco ábside de mosaicos y vitral para la Iglesia de San Leopoldo de Viena² (Kirche am Steinhof). En 1905, junto al grupo de Gustav Klimt, se separó de la Secesión de Viena. El mismo año se casó con Editha (Ditha) Mautner von Markhof, la hija de uno de los dueños de una las grandes fortunas industriales de Austria. En 1907 Kolo Moser se retiró de los Talleres de Viena debido a conflictos internos con su administración.
En octubre de 2008 el correo austríaco emitió un sello postal en su homenaje coincidiendo con el 90° aniversario de su fallecimiento.³

Pintura mostrada: "Study of portrait of Venus in the Grotto".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Koloman_Moser

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ANSELM KIEFER

Para este finde decidi poner a un pintor del denominado "Arte posmoderno" por algunos, hablo del aleman Anselm Kiefer. A lo largo de su carrera desarrollo un estilo sobresaliente de sus contemporaneos, siendo bastante original. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra.

(Donaueschingen, 1945) Pintor alemán. Entre 1966 y 1968 estudió pintura en Friburgo con Peter Dreher y en 1969 en Karlsruhe con Horst. Antes de graduarse estudió también con Joseph Beuys. En 1971 se traslada a Hornbach, en el sur de Alemania, donde vive con su familia en una antigua escuela, cuyo ático convierte en estudio. Este estudio es el tema de muchos cuadros de los años setenta.

Desde que en sus fotoseries, tituladas Ocupaciones y publicadas en 1969, apareció él mismo haciendo el saludo fascista, testimoniando su consternación y vergüenza por el pasado nazi de su país, su trabajo se ha concentrado en gestos, símbolos, mitos y temas o autores literarios relacionados con el nacionalismo teutónico del siglo XIX. Su trabajo ha sido con frecuencia mal interpretado, lo que demuestra el estigma que la cultura alemana sufre como consecuencia del chauvinismo del XIX y del fascismo del XX.

Lejos de ser un mero ilustrador de problemas puntuales de la historia alemana, Kiefer ha desarrollado un estilo independiente de pintura que a veces explora la relación entre fotografía y pintura, utilizando frecuentemente fotos como base del cuadro. Su técnica consiste en la aplicación de numerosas capas gruesas de pigmento hasta producir un impasto tan denso que tiene que ser cortado o quemado para poder seguir aplicando capas. Este procedimiento es obvio en cuadros como Pintar=Quemar.

La relación entre los temas y el estilo es evidente en el repetido tratamiento iconoclasta de temas políticos, como en las series Controversia e Iconoclasta. Desde el año 1969 expuso regularmente y en 1972 empezó a trabajar con la galería Michael Werner. En 1980 representó a Alemania, junto con Baselitz, en la Bienal de Venecia. Numerosas muestras de su obra se han presentado en diferentes galerías y museos europeos y americanos.

Pintura mostrada: "Jerusalem".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kiefer.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

NICHOLAS HILLIARD

Para este finde decidi poner a uno de los grandes miniaturistas del arte de la Pintura, hablo del britanico Nicholas Hilliard. En su pais, Inglaterra, fue un gran retratista en su momento. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica.

Era hijo de Richard Hilliard (1519–1594) de Exeter, Devon (Inglaterra), un orfebre protestante.³
Hilliard hizo su aprendizaje con el joyero de la reina, Robert Brandon, († 1591),⁴ desde 1562 hasta 1569. Después de siete años de aprendiz, Hilliard fue nombrado hombre libre de la compañía de orfebres en 1569.³ Estableció un taller con su hermano menor, John.
Hilliard acabó su aprendizaje en un momento en que se «necesitaba desesperadamente» un nuevo retratista de corte.⁴ Dos retratos sobre tabla que se le han atribuido a él desde hace tiempo, conocidos como retratos del «Fénix» y del «Pelícano», datan de hacia 1572-76. Hilliard fue nombrado limner (miniaturista) y orfebrer de Isabel I en una fecha no concretada; la primera miniatura que de él se conoce con la reina como modelo es de 1572.
En 1576, Hilliard, recién casado, marchó a Francia «sin más pretensión que aumentar su conocimiento por este viaje, y con la esperanza de conseguir dinero de los señores y las damas aquí para su mejor mantenimiento en Inglaterra a su regreso», según señala cuidadosamente el embajador inglés en París, Sir Amyas Paulet, con quien Hilliard pasó gran parte de su tiempo.⁵ Permaneció allí hasta 1578-79, mezclándose en los círculos artísticos de la corte, permaneciendo con Germain Pilon y Jorge de Gante, respectivamente el escultor y el pintor de la reina, y conociendo a Ronsard.
Después de su regreso de Francia, vivió y trabajó en una casa en Gutter Lane, en las afueras de Cheapside, desde 1579 hasta 1613, donde su hijo y alumno Laurence le sucedió, siguiendo en el mismo negocio durante décadas.
Tuvo el favor de Jacobo I lo mismo que de Isabel I, recibiendo del rey una patente especial que data del 5 de mayo de 1617, que le garantiza la única licencia para obras reales durante doce años. Con ello conseguí el monopolio del retrato en miniatura y grabado del rey Jacobo I, algo que Isabel I había rechazado en 1584.
La mayor colección de su obra se encuentra en el Museo Victoria y Alberto, en Londres, y algunos están en la Galería Nacional de Retratos del Reino Unido. La mayoría de sus obras se conservan en Inglaterra. Las condiciones en las que se han mantenido las miniaturas han garantizado que la mayoría se conserven en excelentes condiciones, y han evitado la atención de los restauradores, aunque es frecuente que el colorido haya pedido intensidad y que se hayan oxidado las partes pintadas con plata.

Pintura mostrada: "Sir Walter Releigh oval portrait".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Hilliard

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JOAQUIN TORRES GARCIA

Para este finde decidi poner a uno de los grandes teoricos de la Pintura latinoamericana, hablo del uruguayo Joaquín Torres García. Padre del llamado "Universalismo constructivo" que fue de mucha influencia en el Arte de la Rep. Oriental del Uruguay y alrededores (como el caso de Argentina, por ejemplo). Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

(Montevideo, 1874 - 1949) Pintor uruguayo, considerado uno de los artistas uruguayos con mayor proyección internacional. En su juventud, Torres García se había trasladado a España junto con su familia. En Barcelona se integró en el grupo de intelectuales catalanes liderados por el pensador Eugenio D´Ors, quien afirmaba que Cataluña estaba llamada a continuar en el siglo recién comenzado la tradición clásica y humanista de la cultura mediterránea, retomando las formas e ideas de la antigüedad griega. Imbuido de estas tesis, Torres García pintó en el salón de San Jorge de la Diputación de Barcelona varios murales, hoy desaparecidos, que representaban imágenes de una mítica Arcadia con figuras humanas de porte clásico.

Su casa de entonces, Mon Repòs (en Terrassa, cerca de Barcelona), denotaba también la influencia griega en la arquitectura y en los murales que él había pintado en sus habitaciones. En los primeros años del siglo XX colaboró con el arquitecto catalán Antonio Gaudí en la realización de vitrales para el templo de la Sagrada Familia. Sin embargo, según cuenta Torres García en el libro Historia de mi vida, Gaudí no supo apreciarlo como artista, aconsejándole que se dedicara a la docencia. En 1910, por encargo oficial, pintó los paneles del pabellón uruguayo de la Exposición Internacional de Bruselas.

A partir de 1915 comenzó a experimentar la influencia de las vanguardias, al tiempo que conocía a pintores innovadores como Barradas, Robert Delaunay, Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, entre otros. Viajó a Nueva York, donde lo invadió el ritmo trepidante de la ciudad; después estuvo en París y más tarde en Madrid. En esos años de viajes fue dando forma a su propuesta artística: el universalismo constructivo. En 1930 fundó en París la revista y el grupo Cercle et Carré junto a otros artistas, con los cuales realizó algunas publicaciones y organizó una de las exposiciones de arte concreto más importantes de la época. Por aquel entonces ya exponía sus cuadros en galerías relevantes de París.

Cuando regresó a Montevideo en 1934 ya tenía clara cuál era su misión y cuál sería su mensaje: crear una escuela de arte en el sur de América. A partir de entonces fundó la Asociación de Arte Constructivo (1935), publicó la revista Círculo y Cuadrado (1936-1943), dio numerosas charlas y conferencias, dictó clases en la universidad y en el SODRE y finalmente, en 1944, creó el Taller Torres García. Trabajador incansable, no dejó nunca de pintar y realizó numerosas exposiciones, al tiempo que expresaba sus ideas en varios libros sobre arte y estética, como Estructura (1935), Universalismo constructivo, contribución a la unificación del arte y la cultura en América (1944) y Mística de la pintura (1947). 

Torres García definió su pintura como una superficie organizada en sección áurea, en la que todas las partes se relacionan entre sí y con el todo. El rechazo de la perspectiva y el uso de la bidimensionalidad, que evocan las formas del arte primitivo y egipcio, facilitan la comprensión de su mensaje plástico. Para Torres García el arte no debe copiar la naturaleza, pero tampoco debe negarla. Los pictogramas que pueblan sus pinturas recrean el mundo: el pez (la naturaleza), el triángulo (la razón), el corazón (los afectos), el hombre y la mujer. Sus símbolos son permanentes y fáciles de decodificar, pues el pintor buscó un arte eterno, que no renegara del pasado, tratando de encontrar imágenes que trascendieran las épocas. Entre sus cuadros, muchos de ellos premiados, deben mencionarse Un puerto (1941), Naturaleza muerta (1941), Mentón (1944) y Sala de espera (1946).

Desde sus comienzos, concurrieron al Taller Torres García jóvenes que querían aprender los principios del constructivismo y algunos artistas ya reconocidos en el medio, como Carmelo de Arzadun, quien ensayó por un breve período la pintura estructurada que predicaba el maestro. En el Taller Torres García se exploraron diferentes técnicas, entre ellas cerámica, tapicería y pintura mural. El arte, según pensaba Torres García, debía estar integrado a la vida: siguiendo este principio, pintó con diecinueve de sus alumnos siete murales al óleo en el pabellón Martirené del hospital Saint Bois de la capital uruguaya. Estos murales han corrido diversa suerte: algunos están muy deteriorados, otros se perdieron y otros fueron recuperados y se encuentran en el Museo Torres García de Montevideo.

A la muerte del artista, en 1949, sus alumnos más cercanos continuaron con la publicación de la revista Removedor, creada en 1945, y mantuvieron la actividad de su taller, que se cerró en 1967. Si bien mantuvieron las premisas básicas enunciadas por el maestro, sus discípulos buscaron lenguajes pictóricos individuales. Entre los más destacados están Augusto y Horacio Torres (sus hijos), Francisco Matto, José Gurvich, Manuel Pailós, Gonzalo Fonseca, Uruguay Alpuy, Edgardo Ribeiro, Manolo Lima, Alceu Ribeiro y Jonio Montiel. Varios de estos artistas vivieron largos años en el exterior, como Fonseca (radicado en Nueva York) y Alpuy (en París).

La influencia de Torres García ha rebasado las fronteras uruguayas; el grupo Madi, fundado en 1946 en Buenos Aires, o la asociación Arte Concreto Invención, liderada por Tomás Maldonado también en la capital argentina, lo reconocieron como mentor.

Pintura mostrada: "El pintor con su familia".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/torres_garcia.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

MARK RYDEN

Para este finde decidi poner a un artista estadounidense muy original llamado Mark Ryden. Su obra se etiqueta segun algunos en el llamado "Surrealismo pop", y las pinturas de este hombre se han vuelto cada vez mas reconocidas con el tiempo de la mano de algunos coleccionistas reconocidos por asi decirlo quizas. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen por su obra pictorica.

Mark Ryden nació el 20 de enero de 1963 en Oregon, Estados Unidos. Es hijos de Barbara y Keith Ryden, y se crío en el sur de California, en variadas ciudades, entre ellas Escondido. Estudió ilustración y se graduó del Art Center College of Design en Pasadena, en el año 1987. Su debut en una exposición solista fue con la saga “The meat show”, y se realizó en Pasadena en 1998.

Su trabajo
A mediados de los años 80, Ryden saltó a la fama o por lo menos llamó la atención de la gente que seguía revistas como Rolling Stone. Realizó la tapa del libro “Desperation” de Stephen King, algunos afiches para películas de Tim burton y el arte de tapa del disco “Dangerous” de Michael Jackson”, entre otros.
Entre sus clientes mas fieles figuran Robert DeNiro, Bjork, Christina Ricci, Chris Carter (creador de X-Files), Bridget Fonda y Leo DiCaprio. Retrató (aparte de a Ricci y a DiCaprio) a Jimmi Hendrix y Nirvana, además de a Barbie y los mismísimos Teletubbies. Estos clientes, llegan a pagar mas de 600 mil dólares por un cuadro que no suele superar el metro y hasta 20 mil por miniaturas de 10 centímetros.
En sus cuadros se ven mezclas de juguetes e insectos y son protagonizadas por niños y niñas de ojos saltones, con una mirada tan serena como inquietante. Por otro lado, un gran protagonista de sus óleos sobre tela es la carne. Así como escuchan y en todas sus formas. Mezcla de una forma increíble la perversidad con la sensualidad y la inocencia, todo al mismo tiempo.
Hoy en día, pinta desde cuadros enormes hasta pequeños trabajos en papel en blanco y negro (no por eso mucho mas económicos). En una de las últimas exposiciones, realizada en 2007, su obra “The Tree of Life” se vendió por 800 mil dólares al Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles.

Curiosidades
- El arte de Ryden se incluyó en el juego de aventuras “9: The Last Resort”, publicado en 1995.
- Su obra aparece en la película de Christina Ricci “Penelope”.
- Si no fuera artista, Ryden aseguró que se dedicaría a las matemáticas por que “ama los números”.
- No mira televisión, lee al Dalai Lama y a Stephen Howking.
- Se rumorea que solo viste de estricto negro y que hasta comería solo comida negra (seguramente solo rumores típicos no? jaja).

Pintura mostrada: "The ringmaster".

Fuentes: http://www.taringa.net/posts/arte/9170361/Mark-Ryden.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

EL LISSITZKY

Para este finde decidi poner a un pintor de un pais que ya no existe (la ex URSS, actual Rusia y otros paises), hablo de El Lissitszky. Influyente en el Constructivismo ruso, fue uno de los grandes artistas de este movimiento. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra.

El Lissitzky (Lazar Markovich Lissitzky) (n. Smolensko, Rusia, 23 de noviembre de 1890 - † Moscú, 30 de diciembre de 1941). Artista ruso.

Fue pintor, diseñador gráfico y fotógrafo. Influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. Uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo.

En el año 1919, Marc Chagall, director de la Escuela de Arte en Vitebsk, invitó a Lisstinzky a unirse al cuerpo de profesores, en donde conoció a Kasimir Malevich quien fue una importante influencia para Lissitzky. Mediante diseños experimentales, desarrolló un estilo de pintura que denomino PROUNS (abreviatura de “proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo”). PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico. Lissitzky llamaba PROUNS a “un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura”. esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura.

Desde 1922 hasta 1931, El Lissitzky se trasladó a Europa occidental para difundir las ideas de la vanguardia rusa. En Berlín, conoció a Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl, y desde entonces se convirtió en un personaje influyente del movimiento abstraccionista.

En sus últimos años de vida, se planteó la necesidad de realizar una misión social, por lo cual se comprometió personalmente con la Unión Soviética a destinar tu potencial artístico a la propaganda del estado sovietico hasta el día de su muerte. (1941).

Pintura mostrada: "Tribuna de Lenin".

Fuentes: http://www.arquba.com/arquitectos/el-lissitzky-biografia-y-obras/

Atte.: LM (seccion de Pintura).

KATSUSHIKA HOKUSAI

Para este finde decidi poner al tal vez pintor mas reconocido de Asia, hablo del artista japones Katsushika Hokusai. Con una obra muy numerosa y un estilo reconocible, fue muy influyente incluso en la Pintura occidental. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Katsushika Hokusai fue un polifacético y productivo artista (pintor, dibujante y grabador).
Nació sobre 1760 en Edo (actual Tokyo). Sobre los 5 o 6 años ya empezó a dibujar y desarrollar su pasión sobre la pintura. Hokusai quedó huérfano siendo muy pequeño, por lo que fue adoptado por un prestigioso artesano que realizaba espejos para la corte del Shogun. De joven, Hokusai trabajó como vendedor en una librería y a los 15 años entró como aprendiz de grabador y xilógrafo en un taller. Con 18 años, se convirtió en el discípulo y aprendiz de Shunsho, el maestro de la escuela ukiyo-e. Aprendió la técnica del grabado con planchas de madera, especializándose en el retrato de actores, y un año después empezó a publicar sus primeros trabajos con una técnica ya dominada. También trabajó con otros pintores como Hiroyuki y Torin y estudió pintura europea.
Sobre los 20 años se casó, y la vida familiar le pudo influenciar en sus diseños en los que aparecen actores y mujeres en paisajes históricos y jardines utilizando la técnica uki-e (técnica occidental de la perspectiva), e impresiones de niños. Sus textos y libros de ilustraciones dieron la vuelta a temas históricos y didácticos; y su trabajo en el género Surimoro durante toda la década siguiente marcó uno de los puntos culminantes de su carrera.
Al comienzo de la década de 1790 sufrió la muerte de Shunso y su esposa, quedándose solo con tres hijos. En 1797 volvió a contraer matrimonio y cambió su nombre al ahora conocido, Hokusai. Este momento marcó el inicio de su apogeo artístico. En este periodo utilizó toda la gama del arte ukiyo-e: publicó una serie de importantes retratos femeninos, libros ilustrados, ilustraciones de antologías de versos, libros eróticos, libros a mano, bocetos, surimonos y tarjetas.
Más tarde, profundizó en la representación de paisajes y escenas históricas, donde la figura humana desempeña un papel secundario. Y finalmente introdujo en su estilo la técnica de la perspectiva y el colorido occidental.
Empezó el siglo haciendo ilustraciones del yomihon y novelas históricas. A raíz de esto, su estilo comenzó a sufrir cambios importantes. Su trabajo, cada vez con mayor alcance, perdió delicadeza y Hokusai tendió a poner más énfasis en temas clásicos tradicionales, especialmente la representación de samuráis, guerreros o temas chinos, y a alejarse del mundo del ukiyo-e.
Por esa época también empezó a estudiar el arte de la ilustración de novelas, y a partir de 1814 empezó a editar libros de dibujos “manga”, reproduciendo la vida y actividad del pueblo en sus tareas cotidianas, además de series de escenas mitológicas, de animales, de plantas y paisajes. Dos años antes, su hijo, el cual era una buena fuente de sustento, murió, por lo que es posible que por razones económicas Hokusai se centrara en la ilustración de libros y copias de grabados diseñados para artistas aficionados.
Como artista, contribuyó a dar una nueva dimensión al ukiyo-e, convirtiendo al paisaje y a la pintura de flores y pájaros en géneros autónomos y reconocidos. Supo combinar colores, perspectivas y detalles, representando la naturaleza a veces con un realismo radical. Durante toda su carrera artística tocó temas muy diversos, pasando de burdeles a imágenes religiosas budistas y de plantas a grandes paisajes. Además de caricaturas satíricas, el diseño de arquitecturas religiosas, paisajes en miniatura y panoramas. Fue un gran innovador, ya que llegó a utilizar como instrumentos pictóricos huevos, botellas y los dedos. Se calcula que su obra abarca unas 30.000 estampas e ilustraciones para casi 500 libros. Su serie más famosa es las “36 vistas del Fuji”, que ha sido considerada por la crítica como la obra cumbre de la pintura paisajística japonesa. Desde mediados del siglo sus grabados llegaron a París, donde se coleccionaban con gran entusiasmo y tuvieron mucha influencia sobre los impresionistas como Monet, Degas y Toulouse-Lautrec.

Pintura mostrada: "Irises".

Fuentes: http://japonismo-estilo.blogspot.com.ar/2010/01/katsushika-hokusai.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).