JEAN FOUQUET

Para este finde opte por poner a uno de los grandes pintores franceses de su epoca, hablo de Jean Fouquet. Entra dentro del llamado "Gotico internacional", donde es una de las principales figuras. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen por su obra pictorica.

(Tours, Francia, h. 1420 - id., h. 1481) Pintor y miniaturista francés. No existen datos precisos sobre su actividad hasta 1443, fecha en que está documentada su presencia en Roma. Permaneció en esta ciudad hasta 1447 y pintó un retrato del papa Eugenio IV, hoy desaparecido.

A su regreso a Francia empezó una carrera meteórica como pintor de corte, que culminó en 1475 con su nombramiento como pintor real. Al servicio de su primer mecenas en la corte francesa, el noble Étienne Chevalier, realizó algunas de sus mejores creaciones, donde los mayores logros de la pintura gótica se unen a los ensayos de perspectiva aprendidos en Italia.

Estos rasgos se advierten en el retrato de Étienne Chevalier con San Esteban, unido inicialmente en un díptico a la Virgen con el Niño del Museo de Amberes, su obra más famosa; las figuras, definidas con un dibujo delicado y preciso, adquieren formas volumétricas gracias a un peculiar empleo de la perspectiva, orientado a resaltar las formas. 

Más productivo que su obra pictórica fue su trabajo como miniaturista, desde el Libro de las horas de Étienne Chevalier hasta las Antigüedades judías y la Gran Crónica de Francia. Impresiona en estas obras la gran variedad de soluciones, tanto en la representación de interiores, en los que no faltan las arquitecturas vistas en Italia, como de exteriores, con esplendorosos paisajes.

El descriptivismo y una minuciosidad en los detalles inspirada en la pintura flamenca enriquecen unas escenas con abundantes personajes que se van simplificando con el tiempo en aras de una mayor claridad narrativa. Cronista figurativo de la Francia de su tiempo, Fouquet fue también el mejor pintor del siglo XV en su país, en vísperas de la llegada del Renacimiento.

Pintura mostrada: "Hommage d'Edouard Iii à Philippe le Bel".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fouquet.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JIM DALY

Para este finde decidi poner a uno de los artistas contemporaneos mas interesantes que se pueden encontrar en Estados Unidos actualmente, hablo del pintor Jim Daly. Su obra pretende evocar un sentimiento de nostalgia basandose en lo que era la cultura del pais norteamericano hace decadas. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su produccion artistica.

Los datos de su biografìa nos cuentan que tuvo una infancia complicada en el marco de la Segunda Gran Guerra, por lo que tuvo que cambiar de geografìa varias veces, conociendo  traslados, ausencias y abandonos pero, cuando recuerda... la pinta con estos colores de encantamiento, de una niñez soñada y  felìz.
Son los juegos, la capacidad de jugar e inventar la diversiòn con las cosas más insignificantes, lo que distingue esa zona de la vida.  Jim Daly  nos habla de esa infancia perdida, no sòlo por haber quedado muy atrás en el tiempo, sino por los cambios operados desde entonces, comparando  lo que suele entretener a los niños de hoy en dìa.
Quizás no fueran tan idìlicos los hechos vividos por  Jim Daly, pero no hay duda de que pinta y  nos trasmite las escenas y la atmòsfera con que tamiza sus recuerdos y, sin duda, lo que considera debe ser la niñez.
Escenas simples, simples situaciones familiares.  Contenciòn, amparo, protecciòn y cariño..., un hogar, Padre, Madre y  hermanos... para què más?, parece decirnos el pintor.
Los amigos, las travesuras y descubrimientos compartidos, las alegrías...y, a veces, alguna diferencia que justificaba unos momentos de bravura... 
Las mascotas, gatos y perros compañeros...
... y luego de transcurrido el dìa, el momento de la quietud, del recogimiento y del Hogar...
Entonces, llega el momento de los sueños, ese territorio en donde todo es posible, tanto o tan poco, como que cualquier niño, de ayer o de hoy, pueda hallar un lugar en donde ser plenamente feliz, cuidado y amado, sin distinciòn....

Pintura mostrada: "The reluctand gardener".

Fuentes: http://miradadebruja.blogspot.com.ar/2013/08/jim-daly-la-zona-perdida.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).   

LUIGI MALICE

Para este finde decidi poner a uno de los tantos buenos pintores del Informalismo europeo (algo asi como el "Expresionismo abstracto" de Europa), hablo del italiano Luigi Malice. Su obra que fue de mucha influencia en la Pintura de su pais natal. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica, asi como la de otros pintores del movimiento.

Nacido en Napoli en 1937, se formó en esta ciudad a finales de los años cincuenta, hizo su debut en la tradición de la pintura figurativa, en parte, en deuda con la lección de la actual "Novecento" (ver "Casa mia", 1959), no es ajeno a la experimentación icónica "fauves" post-Picasso y Cézanne (ver "Grande bagnante Giulia", 1958). En este período fue la gran influencia de pintores como Striccoli, Chiancone, Brancaccio, y sobre todo Emilio Notte. Desde principios de los años 60's se acerca a la pintura informal ("Informalismo materico") observando con interés el resultado de la creatividad de Domenico Spinosa [1]. Desde 1968, los cambios de su ámbito de aplicación de la pitturat unidimensional. Los efectos causados ​​por la sombra en los marcos de madera cubierto de tela de volcado, son la base de la experiencia que se llama Top Art. La "Top Art" de Malice, que es el resultado de una reflexión personal sobre la "fotocineticovisuale" investigación europea contemporánea, primero miró a los "shaped canvases" (literalmente, "en forma de lienzos") de Enrico Castellani y Agostino Bonalumi y el otro a creaciones Pino Pascali (ver "Dinosauro", el "Pellícano"). En el "estroflessione" de Malice, de hecho, parece que la contaminación y la síntesis de las formas primarias (círculos, ondas sinusoidales, etc.) y las siluetas, sobre todo antropomórfica (ver, por ejemplo. "Eco" [1973] o "Mummia" [1976]), dando lugar al estilo distintivo que lo acompañó durante casi veinte años, a partir del 68 (el año de la exposición personal en el Coliseum di New York [2]) a mediados de los años ochenta. Después de este importante capítulo en la artista regresó a la pintura, iniciando así la temporada de los "neo-informalismo". Actualmente el artista expone su obra en el pabellón italiano de la 54a edición de la Bienal de Venecia [3].

Pintura mostrada: "Fusione blu".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Luigi_Malice

Atte.: LM (seccion de Pintura).

WILLIAM HOGARTH

Para este finde decidi poner a uno de los pioneros de las historietas o comics (disculpen mi ignorancia en el tema), hablo del britanico William Hogarth. La manera en la que planteo su pintura, termino siendo un antecesor, por asi decirlo, de esta otra forma de hacer Arte que se nombro anteriormente. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en esta peculiar forma de pintar que tuvo.

(Londres, 1697-id., 1764) Pintor y grabador inglés. A partir de 1720 comenzó a trabajar en Londres como grabador, oficio en el que se había formado y que compaginó con la asistencia a clases de pintura en la Saint Martin's Lane Academy y en el estudio de sir James Thornhill, con cuya hija se casó en 1729. En los inicios de su actividad como pintor trabajó como retratista, con obras que en algunos casos alcanzaron un éxito considerable.

Hombre extraordinariamente inquieto y muy descontento con la sociedad de su tiempo, decidió poner su arte al servicio de la sátira y la crítica social. Comenzó así la realización de series de telas sobre un mismo tema, que asimiló con representaciones teatrales, de modo que estableció un paralelismo entre cuadro y escenario, figuras y actores. Entre sus numerosas secuencias de pinturas anecdóticas destacan La carrera de prostituta (seis escenas), La carrera de libertino (ocho escenas), Matrimonio a la moda (seis escenas) y Campaña electoral. Todas ellas se grabaron después de pintadas, lo cual contribuyó a su difusión y su éxito, que se produjo por igual en todas las capas sociales.

La riqueza de detalles y matices psicológicos, así como la intensidad dramática y el acierto compositivo contribuyeron, sin duda, a la buena aceptación de estas obras, que constituyen un punzante retrato de la sociedad inglesa de la época. Aunque éstas son sus creaciones más apreciadas, Hogarth no abandonó nunca el retrato y se dedicó también a plasmar por escrito sus ideas estéticas en La anatomía de la belleza, obra que gozó también de gran éxito.

A partir de 1735 dirigió una academia de pintura que fue la precursora de la Royal Academy. En sus últimos años, a raíz de haber sido nombrado pintor del rey, se mostró más conservador y perdió en parte el espíritu de lucha que hasta entonces había caracterizado toda su vida.

Pintura mostrada: "The painter and his pog".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hogarth.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

KOLOMAN MOSER

Para este finde decidi poner a uno de los grandes artistas que influenciaron fuera de la propia disciplina de la Pintura, hablo del austriaco "Kolo" Moser. Influyo principalmente en el Arte Grafico, aunque tambien influyo en las llamadas "artes decorativas" o "artes menores". Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica en general, tanto pictorica como en otras artes.

Koloman Moser (Kolo Moser) (Viena, 30 de marzo de 1868 - ibídem, 18 de octubre de 1918), fue un artista austriaco que ejerció considerable influencia en el arte gráfico de principios del siglo XX, además de ser unos de los más destacados artistas de la Secesión de Viena Asimismo fue cofundador de los Talleres de Viena¹ conocidos como Wiener Werkstätte. A lo largo de su vida, Moser diseñó una amplia gama de trabajos artísticos: libros y gráficos desde estampillas a viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas, vidrio soplado, vajilla, platería, joyería y mobiliario, entre otros. Estudió en la Academia de Viena y la Escuela de Artes Aplicadas (Kunstgewerbeschule) donde también dio clases a partir de 1899. Sus diseños para arquitectura, mobiliario, joyería, gráfica y tapicería ayudaron a caracterizar los trabajos de su era. Moser trajo las líneas límpias y los motivos repetidos del arte y la arquitectura grecorromano clásico en respuesta a la decadencia de tipo barroca do los alrededores de la Viena de cambio de siglo.
Entre 1901 y 1902 publicó un catálogo titulado “Die Quelle” (El origen) de elegantes diseños gráficos para cosas como tapicería, tejidos y empapelados.
En 1903 Moser, junto a su colega Joseff Hoffmann, se convirtió en fundador de la Wiener Werkstätte, cuyos estudios y artesanos produjeron variados artículos del hogar diseñados de manera estética y funcional, incluyendo cristalería, platería y textiles.
En 1904 diseñó el arco ábside de mosaicos y vitral para la Iglesia de San Leopoldo de Viena² (Kirche am Steinhof). En 1905, junto al grupo de Gustav Klimt, se separó de la Secesión de Viena. El mismo año se casó con Editha (Ditha) Mautner von Markhof, la hija de uno de los dueños de una las grandes fortunas industriales de Austria. En 1907 Kolo Moser se retiró de los Talleres de Viena debido a conflictos internos con su administración.
En octubre de 2008 el correo austríaco emitió un sello postal en su homenaje coincidiendo con el 90° aniversario de su fallecimiento.³

Pintura mostrada: "Study of portrait of Venus in the Grotto".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Koloman_Moser

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ANSELM KIEFER

Para este finde decidi poner a un pintor del denominado "Arte posmoderno" por algunos, hablo del aleman Anselm Kiefer. A lo largo de su carrera desarrollo un estilo sobresaliente de sus contemporaneos, siendo bastante original. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra.

(Donaueschingen, 1945) Pintor alemán. Entre 1966 y 1968 estudió pintura en Friburgo con Peter Dreher y en 1969 en Karlsruhe con Horst. Antes de graduarse estudió también con Joseph Beuys. En 1971 se traslada a Hornbach, en el sur de Alemania, donde vive con su familia en una antigua escuela, cuyo ático convierte en estudio. Este estudio es el tema de muchos cuadros de los años setenta.

Desde que en sus fotoseries, tituladas Ocupaciones y publicadas en 1969, apareció él mismo haciendo el saludo fascista, testimoniando su consternación y vergüenza por el pasado nazi de su país, su trabajo se ha concentrado en gestos, símbolos, mitos y temas o autores literarios relacionados con el nacionalismo teutónico del siglo XIX. Su trabajo ha sido con frecuencia mal interpretado, lo que demuestra el estigma que la cultura alemana sufre como consecuencia del chauvinismo del XIX y del fascismo del XX.

Lejos de ser un mero ilustrador de problemas puntuales de la historia alemana, Kiefer ha desarrollado un estilo independiente de pintura que a veces explora la relación entre fotografía y pintura, utilizando frecuentemente fotos como base del cuadro. Su técnica consiste en la aplicación de numerosas capas gruesas de pigmento hasta producir un impasto tan denso que tiene que ser cortado o quemado para poder seguir aplicando capas. Este procedimiento es obvio en cuadros como Pintar=Quemar.

La relación entre los temas y el estilo es evidente en el repetido tratamiento iconoclasta de temas políticos, como en las series Controversia e Iconoclasta. Desde el año 1969 expuso regularmente y en 1972 empezó a trabajar con la galería Michael Werner. En 1980 representó a Alemania, junto con Baselitz, en la Bienal de Venecia. Numerosas muestras de su obra se han presentado en diferentes galerías y museos europeos y americanos.

Pintura mostrada: "Jerusalem".

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kiefer.htm

Atte.: LM (seccion de Pintura).

NICHOLAS HILLIARD

Para este finde decidi poner a uno de los grandes miniaturistas del arte de la Pintura, hablo del britanico Nicholas Hilliard. En su pais, Inglaterra, fue un gran retratista en su momento. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra artistica.

Era hijo de Richard Hilliard (1519–1594) de Exeter, Devon (Inglaterra), un orfebre protestante.³
Hilliard hizo su aprendizaje con el joyero de la reina, Robert Brandon, († 1591),⁴ desde 1562 hasta 1569. Después de siete años de aprendiz, Hilliard fue nombrado hombre libre de la compañía de orfebres en 1569.³ Estableció un taller con su hermano menor, John.
Hilliard acabó su aprendizaje en un momento en que se «necesitaba desesperadamente» un nuevo retratista de corte.⁴ Dos retratos sobre tabla que se le han atribuido a él desde hace tiempo, conocidos como retratos del «Fénix» y del «Pelícano», datan de hacia 1572-76. Hilliard fue nombrado limner (miniaturista) y orfebrer de Isabel I en una fecha no concretada; la primera miniatura que de él se conoce con la reina como modelo es de 1572.
En 1576, Hilliard, recién casado, marchó a Francia «sin más pretensión que aumentar su conocimiento por este viaje, y con la esperanza de conseguir dinero de los señores y las damas aquí para su mejor mantenimiento en Inglaterra a su regreso», según señala cuidadosamente el embajador inglés en París, Sir Amyas Paulet, con quien Hilliard pasó gran parte de su tiempo.⁵ Permaneció allí hasta 1578-79, mezclándose en los círculos artísticos de la corte, permaneciendo con Germain Pilon y Jorge de Gante, respectivamente el escultor y el pintor de la reina, y conociendo a Ronsard.
Después de su regreso de Francia, vivió y trabajó en una casa en Gutter Lane, en las afueras de Cheapside, desde 1579 hasta 1613, donde su hijo y alumno Laurence le sucedió, siguiendo en el mismo negocio durante décadas.
Tuvo el favor de Jacobo I lo mismo que de Isabel I, recibiendo del rey una patente especial que data del 5 de mayo de 1617, que le garantiza la única licencia para obras reales durante doce años. Con ello conseguí el monopolio del retrato en miniatura y grabado del rey Jacobo I, algo que Isabel I había rechazado en 1584.
La mayor colección de su obra se encuentra en el Museo Victoria y Alberto, en Londres, y algunos están en la Galería Nacional de Retratos del Reino Unido. La mayoría de sus obras se conservan en Inglaterra. Las condiciones en las que se han mantenido las miniaturas han garantizado que la mayoría se conserven en excelentes condiciones, y han evitado la atención de los restauradores, aunque es frecuente que el colorido haya pedido intensidad y que se hayan oxidado las partes pintadas con plata.

Pintura mostrada: "Sir Walter Releigh oval portrait".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Hilliard

Atte.: LM (seccion de Pintura).