JOAN FUSTER BONNIN

Para este finde decidi poner a un gran pintor paisajista, el español Joan Fuster Bonnin. Tuvo la capacidad de adaptarse a multiples tecnicas sin abandonar su estilo propio, lo que lo convirtio en un gran artista en su estilo. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Joan Fuster nació en Palma el 1870, hijo de un comerciante de material de pesca,
ingresa en la Escola de Belles Arts de Palma en 1879 donde su director era ni más ni menos que Anckerman y quién, además, fué su profesor de dibujo natural donde consiguió varias menciones honoríficas. Una vez terminada su paso por la Escola, Fuster entró directamente al taller de Anckerman, algo que Joan Fuster siempre mencionó a lo largo de su vida. En 1894 comenzó su andadura expositiva empezando por Palma, una andadura que duró cerca de cincuenta años, y en 1896 participó en la Exposició General de Belles Arts de Barcelona junto a O´Neille, Anckerman, Antoni Ribas y donde recibió muy buenas críticas.

Pero es en lo primeros años del siglo donde se concentra la mayor productividad de Joan Fuster, donde convierte el paisaje en el eje de su obra, sin dejar de lado el retrato ni la figura.

Gracias a su amistad con Russinyol y Mir, aprende a utilizar los trazos modernistas catalanes, con nuevos colores principalmente cromáticos y nuevas temáticas. A esto se le une las relaciones con Eliseo Meifrén quién le ofrece una pintura desenvuelta, fluída y rica en colores, utilizando la técnica de los impresionistas franceses.

A todo esto le tenemos que unir la llegada de Anglada-Camarasa con su "troupe" a la isla, ya definimos que la llegada de Hermenegildo significó una revolución en los pintores isleños y que fué muy aceptado, aunque no por la mayoría, por una gran cantidad de pintores y sobretodo por la crítica del momento. Esto afecta a Joan Fuster en lo mejor ya que disponía de veinte años de experiencia, por lo tanto se lo tomó con la tranquilidad necesaria, su pincelada se volvió más gruesa, la paleta cobrá más fuerza e intensidad, mantiene sus verdes pero a esto le suma una extensa gama de azules, y colores cálidos. 

Joan Fuster supo amoldarse a todas las técnicas, pero sin perder su esencia, fué un pintor muy productivo, realizó múltiples exposiciones que le llevaron hasta Buenos Aires y ganó varias distinciones entre ellas la Medalla de Oro de la Exposición Internacional de Marsella.

Sin duda alguna nos encontramos ante un maestro que, como bien dijo Gaspar Sabater "Su paleta captó la isla en su integridad, su caballete se asentó en lo más escarpado de la sierra mallorquina", Joan Fuster supo como nadie retratar el paisaje mallorquín, un paisaje vital para la sociedad mallorquina, algo que tenía muy claro el pintor y que comentó en un artículo en el periódico El Dia: "Es de interés de todos los mallorquines, sin distinciones, defender nuestro paisaje porque es nuestra esencia. No podemos desaprovechar ninguna ocasión que se nos presente para enaltecerlo, afirmarlo y pregonarlo tanto como sea posible. Las ocasiones, las debemos aprovechar todas, porque precisamente de la fama del paisaje mallorquín han de emanar días de prosperidad y bienestar para toda Mallorca", nunca mejor dicho.

Pintura mostrada: "Paisaje mallorquín".

Fuentes: http://pinturamallorca.blogspot.com.ar/2013/06/joan-bonnin-el-maestro-efectivamente-lo.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

ALOISE CORBAZ

Para este finde, siguiendo con el "Art Brut", decidi poner a la artista suiza Aloïse Corbaz. Fue una pintora esquizofrenica, y fue por ello que Dubuffet se intereso en su obra, de un estilo muy personal. Ahora les dejo una biografia suya esperando que les guste y se interesen en su obra pictorica.

Aunque soñó con ser una cantante, encontró trabajo como profesora y como institutriz en la corte del káiser alemán Guillermo II. Mientras estaba allí, desarrolló un enamoramiento obsesivo por el káiser que le llevaría a ser diagnosticada de esquizofrenia y confinada en un hospital psiquiátrico en el año 1918.
Comenzó a dibujar y a escribir poesía en secreto alrededor del año 1920, pero la mayor parte de sus primeras obras han sido destruidas; el director del hospital médico Hans Steck y la médica de cabecera Jacqueline Porret-Forel se interesaron por vez primera en el año 1936, y su obra fue finalmente descubierta por Dubuffet en 1947.
Su obra es erótica, consistente principalmente en hermosas mujeres con curvas voluptuosas y cabellos flotantes a las que prestan atención amantes en uniforme militar. Usó colores vívidos de tizas, pinturas y zumo de flores para llenar hojas enteras de papel. Su compulsión de hacer marcas en cada pulgada de papel es un horror vacui notablemente parecido al de Adolf Wölfli.

Pintura mostrada: "Dolli cup-Pierre Gautier".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Alo%C3%AFse_Corbaz

Atte.: LM (seccion de Pintura).

JEAN DUBUFFET

Para este finde, decidi poner a uno de los mas emblematicos artistas de la segunda mitad del siglo XX, hablo del pintor y escultor frances Jean Dubuffet. Es considerado el padre del "Art Brut", uno de los mas controvertidos estilos del Arte Contemporaneo, pero sin duda uno de los mas interesantes tambien. Ahora les dejo una biografia breve de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Dubuffet fue un pintor tardío, que comenzó su carrera artística a los 41 años.

Si bien comenzó a los 17 años a estudiar pintura en la Académie Julian, de París, luego de seis meses la abandonó para estudiar de forma independiente.

En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura en la década de 1930, pero volvió a interrumpirla, para continuarla por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte popular, el de enfermos psiquiátricos, prisioneros y niños.

Privilegió una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli.

La importancia del arte de Dubuffet radica en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y técnicas tradicionales.
Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de prestigio internacional.

Dubuffet pretendía crear un arte libre de las preocupaciones intelectuales, creando figuras elementales y pueriles y, a menudo, crueles, inspirado en los dibujos de los niños,los criminales y dementes. Personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie "DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS".

Muchas de sus obras fueron realizadas con óleos, sobre un lienzo reforzado con diversos materiales -arena, alquitrán, paja, barro, yeso o detritus orgánicos- que aportaban una inusual superficie texturada.

Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul.

Calificado como uno de los artistas más enigmáticos de la segunda mitad del siglo XX, no cesó de evolucionar y de expandir su arte.

A los 61 años, comenzó a trasladar sus pinturas bidimensionales a las tridimensionalidad, buscando corporalidad, logrando lo que se conoce lo que se conoce como su periodo “Hourlope” (1962 – 1974), en el que realizó esculturas en poliestireno pintadas con vinílico.

Estas esculturas o “dibujos que se expanden en el espacio” -como él mismo quería que fueran conocidas- se caracterizan por el uso de cuatro únicos colores -rojo, blanco, negro y azul.

Reflejan el interés de Dubuffet por la arquitectura y también, por la idea de crear obras que pudieran estar en la calle, a la vista de los paseantes circunstanciales, constituyendo un precedente del street art o arte urbano.

Pintura mostrada: "Logologie".

Fuentes: http://www.revistadeartes.com.ar/xix_pintura_dubuffet.html

Atte.: LM (seccion de Pintura).

HUGO LAURENCENA

Para este finde, siguiendo con el Hiperrealismo (de los movimientos pictoricos mas admirados en la actualidad), decidi poner al artista argentino Hugo Laurencena. Con una obra claramente influenciada por la Fotografia (Arte que claramente influencio en este estilo de Pintura), es de los mas grandes hiperrealistas latinoamericanos. Ahora les dejo una biografia corta de el, esperando que les guste y se interesen en su obra.

Laurencena nace en 1950 en Buenos Aires, Argentina. Artista plástico que ha centrado la mayor parte de su investigación artística en torno a la pintura, el comportamiento de la luz y la descontextualización de los objetos, otorgándoles valor por si mismos en cuanto a sus capacidades formales. Es un observador incansable de los detalles, estudioso de la fotografía, con un compromiso y constante apuesta al lenguaje pictórico, para él inagotable.
A edad temprana, a finales de la década de los 70s, deja su ciudad natal para trasladarse a Nueva York, lugar en donde consolida su lenguaje artístico y en la que permanece hasta finales de los 90s. En un principio trabaja de la mano con importantes casas de publicidad, cineastas y pintores. Estando en Nueva York su trabajo atrae la atención de destacadas personalidades en el mundo del arte, como resultado comienza a participar de exposiciones individuales y colectivas, y sus obras se integran a importantes colecciones a nivel internacional como las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, entre otros.
Durante su estancia en Nueva York recorre de manera intermitente distintas ciudades en las cuales participa de manera individual y colectiva en exposiciones y proyectos artísticos. Regresa a Buenos Aires en el año de 1999 en donde consigue el éxito y reconocimiento que anteriormente había obtenido en el extranjero. Ese mismo año es invitado a Suiza en donde igualmente realiza una exposición individual en la Gallerie Eberhard. A finales de los años 90s deja definitivamente Nueva York y se traslada por un periodo corto a Miami, para finalmente, en el año 2000, visitar la Ciudad de México y decidir permanecer ahí hasta el día de hoy. Un par de años después de su llegada realiza una exposición individual con la que presenta formalmente su trabajo al mundo artístico de este país. En 2012 inaugura una exposición realizada ex profeso para el Museo Nacional de Arte, en donde su trabajo entabla un diálogo con obras específicas de la colección de este recinto. Esta muestra permanece abierta al público hasta mayo del siguiente año.
Actualmente trabaja en diferentes proyectos, siendo el más importante de ellos, por su alcance al público de Monterrey, una exposición individual en la que presentará su último trabajo.
Su producción artística ha sido merecedora de reconocimientos como los de la Colección Constantini, Novartis, Telecom, Universidad de Belgrano, entre otros. Su obra se encuentra en países como Estados Unidos, Argentina, México, Brasil, Japón, Suiza, Francia, España, Canadá, Italia, Bélgica y Uruguay.

Pintura mostrada: "Cinco sentidos".

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Hugo_Laurencena

Atte.: LM (seccion de Pintura).